En el amplio panorama expositivo de Londres, desde 1968 la Hayward Gallery sigue siendo uno de los principales epicentros de difusión del arte contemporáneo. Ubicada frente al río Támesis y parte del Southbank Centre, no alberga una colección permanente, sino que pone sus salas y terrazas al servicio de exposiciones temporales de alcance internacional.
El edificio brutalista adapta sus espacios según cada muestra, como sucede con las obras de Anish Kapoor, en exhibición hasta el 18 de octubre de 2026. La Hayward Gallery ya había acogido una exposición del artista en 1998, marcando entonces su primera gran muestra en el Reino Unido. En los últimos años, sus instalaciones han ocupado espacios de gran fuerza arquitectónica, como las Gallerie dell’Accademia y Palazzo Manfrin, en Venecia, o el Arken de Copenhague. Aquí, los interiores vuelven a ser absorbidos, llenados o excavados, dando lugar a ambientes de una marcada intensidad física.
En la Hayward Gallery se presentan instalaciones ya célebres, pero que conservan intacta su capacidad de impacto, junto con nuevas elaboraciones de obras realizadas en el pasado y piezas exhibidas por primera vez. La bienvenida la da All of Nothing (‘Todo de la Nada’), de 2026: una enorme estructura inflable de PVC rojo que deja muy poco espacio para el tránsito del público y bloquea por completo el acceso a la sala siguiente.
El curador de la exposición, Ralph Rugoff, quien dirigió la Hayward Gallery durante veinte años hasta marzo de este año, explica el efecto que produce en los visitantes: «De repente esta gran sala parece pequeña. Parte del enigma es que no podemos ver la obra en su totalidad ni podemos atravesarla. Permanece una sensación de misterio». Al obligar a reorganizar entradas y salidas, la segunda sala a la que se accede en este recorrido es, en realidad, la que normalmente se visita al final. Allí se reúnen las obras realizadas con Vantablack, el nanomaterial popularizado por Kapoor, capaz de absorber hasta el 99,965 % de la luz visible y cuyo uso artístico el artista posee en exclusiva desde 2016. En su exploración de la espiritualidad y los estados de ánimo, Kapoor ha comparado este negro impenetrable con aquel que, en ocasiones, experimentamos dentro de nosotros mismos.
Como ocurrió en el pasado, esta técnica desconcierta al espectador, que intenta comprender si lo que tiene delante es simplemente una capa de pintura o una cavidad cuya tridimensionalidad resulta imperceptible. En el caso del suelo, la respuesta se deduce por la presencia de barreras que impiden caer en él, mientras que en otras obras la forma real solo se descubre al desplazarse por la sala, revelando al menos parte de sus curvas y contornos. Anish Kapoor sugiere que es fundamental preguntarse si aquello que vemos es realmente un punto: «Debemos detenernos en la incertidumbre de la respuesta. La escultura trata tradicionalmente de un objeto, pero esto es lo que yo llamaría más bien un no objeto».
La sala siguiente presenta otra de las instalaciones colosales, que remite directamente a la realizada en 2022 en la entrada de Palazzo Manfrin: Mount Moriah at the Gate of the Ghetto. El título combina el nombre del monte al que Abraham acudió para sacrificar a su hijo Isaac con la ubicación de Palazzo Manfrin, frente al Gueto de Venecia. La montaña aparece invertida, desciende desde el techo sin llegar a tocar el suelo. Su referencia espiritual continúa siendo motivo de reflexión y debate. Junto a esta instalación dominante, cuelgan de las paredes las tres grandes obras tituladas Sacrifice I, II y III: masas de silicona pintadas principalmente de rojo y negro, semejantes a enormes fragmentos de carne y vísceras. Todo el conjunto está envuelto por membranas de PVC transparente.
El recorrido continúa con una nueva referencia a la búsqueda espiritual. Ha Makom, que en hebreo significa ‘El Lugar’, remite a la presencia divina a través del espacio y el tiempo. Toda la sala está ocupada por una conglomeración roja de rocas, coronada por una habitación profundamente oscura a la que no es posible acercarse. Para contemplar esta instalación, el visitante la rodea lentamente, permaneciendo en los límites de una suerte de desierto metafísico. En las dos terrazas de la Hayward Gallery se encuentran, en cambio, obras de otro tipo, aunque igualmente características del repertorio de Kapoor: grandes estructuras reflectantes de acero que transforman su forma según el ángulo desde el que se las observe.
La sala final reúne trabajos recientes que hunden sus raíces en las instalaciones desarrolladas durante los últimos años, todavía vinculadas a un imaginario de vísceras y sangre realizado con silicona y acero. Las tres obras Ritual Expiation II, III e I dialogan con nuestras emociones y despiertan pesadillas. Estas realizaciones poseen una intensidad que sacude e interpela al visitante a través de su impacto visual y emocional, reforzado por la monumentalidad de las instalaciones. Sin embargo, no se trata de una cuestión de escala. Como explicó Anish Kapoor: «La escala en sí misma es insignificante; lo que importa es el resultado que se obtiene».
Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com
