Siguen Jacopo Dimastrogiovanni y Stefano Cescon. He aquí la lista de los primeros 10 clasificados:
- Fabrice Bernasconi Borzì
- Jacopo Dimastrogiovanni
- Stefano Cescon
- Luciano Sozio
- Giuseppe Marinelli
- Paola Cenati
- Rafa
- Plurale
- Xinhan Yú
- Samuel Di Blasi
Fabrice Bernasconi Borzì
Fabrice Bernasconi Borzì es un artista italo-suizo, nacido en Ginebra en 1989. Desde 2018 vive y trabaja entre Catania y Roma. Este traslado constituye para el artista una suerte de viaje en sentido inverso respecto al emprendido por tantos otros coetáneos suyos: en el tránsito del Norte al Sur de Europa intenta reecontrar una alteridad cultural, peculiar de sus lugares de origen, funcional a su labor artística. Este dualismo nacional y existencial, esta doble ciudadanía, con la contradicción consecuente, se erige en el fundamento del equilibrado conflicto de fuerzas que su obra pretende expresar. Los elementos formales empleados la mayoría de las veces son simples, minimalistas o depotenziados, casi con el fin de subvertir lo «cotidiano» mediante el uso de un lenguaje paradójico y por momentos provocador, de matriz dadaísta, que no desdeña el citacionismo y la recuperación. La intención es clara, por cuanto desarrolla una serie de interrogantes sobre el sentido mismo del «hacer», de sus implícitos presupuestos conceptuales, así como sobre la manera en que todo ello es interpretado dentro del actual sistema del arte. De tales presupuestos arranca una reflexión sobre los seres humanos y su alienación respecto a la existencia, en una dicotomía que recoge políticamente la tradición del conflicto entre fuerzas productivas y sociales, frente a los poderes hegemónicos y capitalistas. La suya semeja ser una suerte de filosofía de la idiotez, cuya estructura lingüística —a menudo formas precarias y ensamblajes estemporáneos— resulta de una oximorónica «disciplina de lo provisional» que por momentos evoca cierto propósito intelectual de détournement situacionista contemplado desde la perspectiva procesal de un comportamentismo riguroso y metódico. Contradicción en los términos que lo conduce a trabajar, con obstinado rigor, en conceptos complejos como pérdida, precariedad y resiliencia, encubiertos bajo el estratagema expresivo de una mal disimulada ironía. Bajo tales condiciones, nihilismo e historia, derrotismo y teleología constituyen un todo indisoluble, articulando una forma de resistencia activa y catalizadora. Esta es la conjunción de filosofía y revuelta, de credo, subversión y pertenencia. Política y poesía en el gesto crudo de mantenerse en equilibrio a despecho de la evidencia de los hechos. Fabrice Bernasconi Borzì se considera una «esponja y un ladrón de ideas, pero que trabaja arduamente para ser, verdaderamente, quien es».
Jacopo Dimastrogiovanni
A través de la pintura busco desarrollar una reflexión sobre el ser humano, con el fin de indagar las razones y los efectos de las inquietudes que lo caracterizan y que atraviesan su propia naturaleza.
He colaborado con galerías en Italia y en el extranjero, entre ellas Mondoromulo Arte Contemporanea (Castelvenere – BN), Zaion Gallery (Biella), ISOLO17 (Verona), D.Gallery y CRAG (Turín), Galleria Pugliese Arte (Florencia), Galleria Il Castello (Trento), Anywhere Art Company (Nápoles) y Molesworth Gallery (Dublín, Irlanda).
Tras mi experiencia en la 54.ª Bienal de Venecia (Pabellón Italia, Turín), en 2013 fui invitado a exponer en el MART – Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento y Rovereto, en el marco de la exposición In risonanza. Istantanee di creatività nel cervello, curada por Francesca Bacci y Gabriele Lorenzoni. En 2015 presenté mi trabajo en el St James Cavalier Centre de La Valeta (Malta), con motivo del proyecto Afterselfie – beyond masks, curado por Carolina Bortolotti. En 2019 obtuve el Premio Residencia en el Artkeys Prize, gracias al cual al año siguiente realicé una exposición individual en el Castello Angioino-Aragonese de Agropoli (SA). En 2022 fui seleccionado entre los finalistas del Arte Laguna Prize 21-22, exponiendo al año siguiente en el Arsenale de Venecia. En 2024 y 2025 fui incluido entre los finalistas del Exibart Prize.
Desde 2014 soy profesor de pintura y dibujo en Trento, ciudad en la que vivo y trabajo.
Stefano Cescon
Mi investigación artística me ha llevado a reflexionar sobre el papel de la naturaleza y del tiempo: desde la materia que simboliza esta práctica (una mezcla de ceras purísimas) hasta la elección de pigmentos naturales, tierras o minerales.
Este aspecto hace que toda la obra sea receptiva y absorba los «sismos» que provienen de las condiciones externas durante su ejecución, como el lugar y el entorno en el que trabajo.
Esta acción meta-pictórica se transforma así en una reinterpretación personal de estas sugestiones, asumiendo los rasgos propios de un rito cotidiano, una sedimentación de pensamientos que se superponen en un tiempo suspendido.
Lo que me interesa expresar es un delicado equilibrio entre la poética y el material; este último se convierte en portavoz de una historia sedimentada a lo largo del tiempo, como las páginas de un gran libro que contienen tanto la orogénesis de un relieve montañoso como una memoria pictórica constitutiva de nuestra identidad.
El resultado es una pintura hecha de matices de color, un elemento que ya en su propia definición resulta difícil de comunicar. Como ocurre con la música, cuando intentamos definirlo nos enfrentamos a los límites del lenguaje, porque el color en la naturaleza es una transición, está esencialmente vinculado al tiempo y no actúa en el aquí y el ahora.
Este «fluir» de mi práctica, como un ritmo sugerido por las mareas del material, hace que cada obra sea secuencial respecto de la anterior; de este modo se pone de manifiesto una narración orgánica (tanto en sentido metafórico como en los hechos), en la que cada trabajo representa idealmente una célula de un sistema más amplio y potencialmente infinito.
Las reglas de diferencia y repetición propias de la naturaleza constituyen la base de mi investigación. Resulta interesante observar cómo un proceso basado en estas sencillas normas produce un «organismo» complejo, dado por la variedad de matices generada por la repetición de un mismo esquema.
Cada experiencia lleva consigo los frutos de la anterior, siguiendo así una escala infinita.
Luciano Sozio
La práctica artística de Luciano Sozio se cimenta en una planificación minuciosa y rigurosa. Cada una de sus obras nace, en efecto, de un proceso de investigación que parte del examen atento de los materiales y de la elaboración de los pigmentos empleados. Un proceso calibrado y preciso a través del cual el artista explora el sentido de precariedad que acompaña a la existencia entera y el misterio que la circunda. El medio pictórico se convierte así en un lenguaje poético que se abre paso entre las dimensiones de sus trabajos, suspendido entre el silencio reconfortante y la inquietante espera. De sus sujetos emergen vestigios de nuestro presente, inmersos en una pausa a media altura, henchida de tensión, que congela un instante en el que parece que algo está a punto de acaecer: un acontecimiento que, en el ínterin de ese momento, amenaza con quebrantar la simetría de los fenómenos. En cada una de sus obras, la belleza cobra aliento, aflorando a través de la fragilidad intrínseca de todo cuanto existe, suspendida entre la tangibilidad de la materia y la evanescencia de otras dimensiones.
Giuseppe Marinelli
Giuseppe Marinelli (Castellana Grotte, 1990) concluyó sus estudios en 2019 tras cursar la especialidad de Pintura en la Academia de Bellas Artes de Bari. Durante su formación concentró su investigación artística en las técnicas de la pintura tradicional, profundizando en aquellas temáticas que desde hace siglos han sensibilizado a generaciones de artistas, tales como la naturaleza muerta, la figura humana y el paisaje, con especial atención al aspecto compositivo. Más allá de la pintura, Giuseppe Marinelli ha abordado asimismo lenguajes experimentales que otorgan protagonismo a la materia orgánica como vehículo expresivo. En la actualidad vive y trabaja entre Véneto, Trentino y Apulia, territorios que estimulan su creación al permitirle el contacto directo con la naturaleza, convertida en el tema central de sus obras a través de diversos ciclos de trabajo. El reino animal reviste una notable importancia para el artista, motivándole a experimentar también en el ámbito de la escultura; en efecto, partiendo del cráneo de un animal, completa su anatomía mediante un hilo de acero trenzado a mano, a la manera de un trazo continuo de lápiz que imprime su impronta sobre el papel. Desde 2013 participa en numerosos proyectos expositivos organizados en espacios públicos y privados en Bari, Roma, Turín, Venecia y en el extranjero. Su primera exposición individual, titulada «LA PELLE NOMADE DELLA PITTURA», tuvo lugar en Bari en 2018 en la galería «VERNICE ARTE». Expuso en Paratissima 2023 con la muestra «ECDISI – le infinite mute dell’animo» en la Cavallerizza Reale de Turín, siendo galardonado en dicha ocasión con el CONTEMPORARY VISION PRIZE, reconocimiento que lo situó nuevamente entre los protagonistas de la semana del arte turinesa en 2024, esta vez con el proyecto «TUNE IN» en las Palazzine de Corso Mortara. En su más reciente exposición individual, titulada «INTERSTIZI ENTROPICI», celebrada en el Palazzo Cozzolongo de Turi (BA), indaga en la temática del desorden presentando composiciones caóticas entre diversos dibujos a tinta china y pinturas.
Paola Cenati
Su práctica reflexiona sobre la relación con el lugar y con el objeto que de él forma parte. Elementos hallados y recolectados poseen determinadas características intrínsecas que se transforman en fuente de indagación para su itinerario artístico. El trabajo de Paola parte de la necesidad de invertir la propia visión del lugar en relación con el mundo circundante, tomando elementos que habitan el paisaje y trabajando sobre aspectos propios y opuestos a estos. El vínculo directo con el lugar cobra la capacidad de desencadenar una dimensión existencial y un proceso de transformación conducente a una comprensión otra e imaginífica del mismo a través del empleo de elementos instalativos. En la obra de Paola, el retorno al uso de técnicas tradicionales conduce a un entendimiento superior de la realidad y de las raíces de las que procede. Su investigación se focaliza en hallar lo invisible en lo visible, articulando una mirada que se edifica al entrar en relación con el paisaje. La totalidad de su producción se plantea como una reflexión sobre el lugar y el estado mental trasladado a la obra de arte escultórica e instalativa, con frecuencia evocadora de rasgos de abandono.
Rafa
La práctica de Rafael Triana indaga la construcción simbólica y material del territorio en tanto sistema modelado por procesos de organización, control y experiencia colectiva. A través de instalaciones y obras fundamentadas en el objeto, el artista examina el modo en que las estructuras espaciales son interiorizadas y reproducidas, a menudo incluso antes de ser habitadas de manera consciente. Trabajando con materiales de uso cotidiano y formas modulares, su investigación se despliega mediante estrategias de acumulación, repetición y dislocación, haciendo emerger la tensión entre orden e inestabilidad. Aquello que aparenta ser fijo se devela, en cambio, como provisional y abierto a la transformación. Más que una crítica directa, su labor propone una confrontación reflexiva con los mecanismos que estructuran la vida colectiva, invitando a reconsiderar las arquitecturas que moldean la percepción, el movimiento y el sentido de pertenencia.
Plurale
Plurale es un concepto. Nace en 2020 y se presenta como colectivo artístico osmótico, cuyos activadores primordiales son Leo Sophia (Verona, 1997) y Chiara Ventura (Verona, 1997). En 2022 publica el Manifesto Gesto empatico, una declaración poética que afirma su estar-en-el-mundo, donde se postula la acción empática como el único medio hoy practicable para restituir a los seres y a las cosas igual derecho y dignidad. Partiendo de la observación de la sexualidad y el placer como espacios políticos, concibe imaginarios y rituales orientados a resquebrajar la visión eteronormativa del cuerpo y a decolonizar el deseo. Reflexiona en torno a los códigos estéticos y lingüísticos vinculados a las últimas generaciones y analiza, en particular, el fenómeno del trap italiano, examinando las problemáticas socioculturales contemporáneas. plurale manifiesta intuiciones e instantes de lucidez a través de actos performativos, instalaciones, vídeo, música y proyectos editoriales, en una práctica cotidiana de confrontación con el mundo. plurale es coautor del libro SNITCH. Dentro la trap (Psicografici Editore, Roma) y ha publicado tres EP: SINTETICO. Musica di plastica per il futuro che è già, KRÓNOS, coproducido junto a TAI – Tuscan Art Industry (Prato), y Gesto 7. Ha expuesto y realizado performances e intervenciones en el Museo Nazionale della Montagna «Duca degli Abruzzi» CAI (Turín), Tirana International Video Art Festival (Tirana), Galerie Utopia / 4lthangrund Cultural Center (Viena), Mart – Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento y Rovereto (Rovereto), Viafarini (Milán), Galleria ME Vannucci (Pistoia), Adiacenze (Bolonia), Roma Smistamento (Roma) y Teatro 1 – La Pelanda, Mattatoio (Roma), entre otros. Asimismo, ha colaborado con diversas entidades ajenas al ámbito estrictamente artístico, tales como el Centro Veneto di Psicoanalisi, la Comunità educativa Edoardo&Esmeraldo de Verona, el Centro di Prima Accoglienza (CPA) del IPM de Bolonia y la Ernst Kirchweger-Haus (EKH) en Viena.
Xinhan Yú
Xinhan Yú obtuvo el Máster en Artes Visuales en la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 2022. En la actualidad vive y trabaja en Bolonia. Yú trabaja con el vídeo, la instalación, la escultura y los medios fundamentados en la imagen. Su práctica investiga las estructuras de poder y la violencia institucional, considerando la violencia no como un suceso aislado, sino como una lógica sistémica encarnada. A través de mecanismos tecnológicos, simbólicos y rutinarios, sus obras analizan la manera en que el poder moldea la subjetividad, la memoria y la conducta. Texturas ásperas, humor y formas expresivas incisivas reaparecen de forma recurrente en su investigación, junto a imágenes de la infancia, autoridades públicas, cultura de internet y sistemas propios de los videojuegos. Su búsqueda toma como punto de partida las formas visuales cotidianas mediante las cuales los sistemas de autoridad se tornan familiares: uniformes, juguetes, objetos vinculados a la policía, símbolos públicos, dinámicas de juego, espacios de la infancia, estampas familiares y materiales digitales de baja resolución. Tales formas aparentan con frecuencia ser inofensivas, funcionales o lúdicas. Sin embargo, en el trabajo de Yú se transforman en elementos inestables, portadores de disciplina, memoria y control. En lugar de abordar la violencia como una fractura visible, Yú la concibe como una condición susceptible de quedar incorporada en la rutina, el lenguaje, el entretenimiento y la circulación de imágenes. Un juguete puede asumir el cometido de un dispositivo de vigilancia. Una dinámica de juego puede mutar en un modelo de obediencia. El cuerpo de un niño puede revelar los primeros procesos de adiestramiento en la autoridad. Una imagen censurada o políticamente connotada puede reemerger indirectamente bajo la forma de un trazo, un color, un objeto o un gesto.
Samuel Di Blasi
Samuel Di Blasi es un artista italiano nacido en Alba en 1975.
Se formó en la Escuela de Escultura de Riccardo Cordero de la Academia de Bellas Artes de Turín y, en 1999, perfeccionó su lenguaje artístico en Londres, en el estudio del escultor japonés Noriaki Maeda.
En 2015 realizó Lo Scalatore di Nuvole, una exposición individual en el Museo Nacional de la Montaña de Turín.
En 2016 obtuvo el Premio Nacional de Arte «Ora» y, en 2018, presentó Sognando Sogni, una exposición individual en ADD-Art Gallery de Spoleto.
En 2021, la Galerie Géraldine Banier de París exhibió algunas de sus obras inspiradas en el vínculo entre el ser humano y la naturaleza, en el marco de la exposición For a Better World.
En 2022 presentó en el Foro Itálico de Roma la obra monumental «Uomo Onda», con motivo de la 53.ª edición del Campeonato Europeo de Natación.
En 2023, Di Blasi realizó La Nocciola, una escultura permanente de acero ubicada en el Belvedere di Pepè, en Grinzane Cavour.
Ese mismo año realizó Marsabit, una fundición artística en aluminio instalada de forma permanente en el Giardino Tablino de Alba (CN).
En 2024 ideó y dirigió el filme de arte Uomo Onda by Samuel Di Blasi, finalista en el Golden Short Film Festival de Avezzano, en el Emerging Lens Cultural Film Festival de Dartmouth (Canadá) y en el Serbest International Film Festival de Moldavia.
En el exterior del muro histórico del Municipio de Piscina (TO) presentó la primera obra de una nueva serie de intervenciones permanentes site-specific titulada Mitosi, que en 2025 también será instalada en la Tammerkosken Lukio School de Tampere, Finlandia.
El 26 de noviembre de 2024, en Alba, presentó su obra más reciente, Porta di Luce, una fundición artística permanente en aluminio con una extensión lineal de 51 metros.
Vive y trabaja entre Alba, Pietrasanta y Pekín.
Este artículo fue publicando originalmente en exibart.com
