A la espera de la gran muestra en el Palazzo Strozzi de Florencia, que abrirá al público del 14 de marzo al 23 de agosto de 2026, cinco cosas que saber sobre el arte y la vida de Mark Rothko, maestro del siglo XX.
Del 14 de marzo al 23 de agosto de 2026, el Palazzo Strozzi de Florencia dedicará una gran exposición a Mark Rothko, uno de los maestros absolutos del arte del siglo XX. La muestra, curada por Christopher Rothko, hijo del artista, y Elena Geuna, reunirá una selección extraordinaria de obras procedentes de importantes museos internacionales, entre ellos el MoMA y el Metropolitan de Nueva York, la Tate de Londres, el Centre Pompidou de París, además de prestigiosas colecciones privadas. Algunos de los grandes lienzos expuestos nunca se han presentado antes en Italia.
La exposición del Palazzo Strozzi busca reconstruir la compleja investigación que atraviesa toda la trayectoria creativa de Rothko, poniendo en evidencia las raíces figurativas y las progresivas transformaciones de su lenguaje, hasta las icónicas superficies cromáticas de los años cincuenta y sesenta. El objetivo es restituir la complejidad de una visión que logró llevar al límite de la emoción y la espiritualidad el lenguaje visual de la abstracción. Pero mientras se espera la exposición, repasamos la vida, el arte y el legado de este extraordinario artista.
Nacido en 1903 en Dvinsk, en la actual Letonia, como Markus Yakovlevich Rothkowitz, Rothko emigró a Estados Unidos en 1913. Tras sus estudios en la Yale University y en la Art Students League de Nueva York, comenzó a exponer a fines de los años veinte. Las primeras obras muestran una figuración intensa, con retratos, escenas urbanas e interiores que revelan la influencia de Milton Avery y una atención particular a la simplificación cromática.
En los años cuarenta su pintura atraviesa una fase mitológica y surrealista, en diálogo con artistas como Adolph Gottlieb y Barnett Newman. Las figuras se vuelven cada vez más esenciales, inmersas en espacios suspendidos. Es en este período cuando Rothko se aleja progresivamente de la representación reconocible para llegar a los llamados multiforms, manchas de color flotantes que anticipan el estilo maduro. La muestra florentina pondrá en evidencia esta transición, subrayando cómo la abstracción rothkiana nace de un proceso de sustracción y concentración, no de una ruptura repentina.
Entre fines de los años cuarenta y comienzos de los cincuenta Rothko desarrolló el lenguaje que lo haría célebre: grandes telas dominadas por rectángulos superpuestos de contornos difuminados, inmersos en campos cromáticos vibrantes. A menudo asociado al Expresionismo Abstracto, Rothko siempre rechazó una lectura puramente formal de su obra, para él el color era un instrumento para expresar las emociones humanas fundamentales, de la tragedia al éxtasis.
La técnica de veladuras sutiles, aplicadas en capas sucesivas, permite que la superficie vibre y que la luz emerja desde el interior del lienzo. Al eliminar la huella evidente de la pincelada, Rothko construye un espacio pictórico que se ofrece como lugar de contemplación. «Cuando uno pinta un cuadro grande, está dentro de él», afirmaba. Sus obras exigen tiempo y silencio, invitan al espectador a una relación directa y casi meditativa.
Además de la revolución cromática, un elemento fundamental para comprender a Rothko es su relación con el espacio. Desde los años cincuenta el artista insistía en la importancia del formato monumental y en la distancia cercana de contemplación: las obras debían envolver a quien mira, más que proponerse como objetos decorativos.
Este principio emerge con fuerza en los ciclos murales para el Seagram Building y alcanza su expresión más acabada en la Rothko Chapel de Houston, concebida como un espacio unitario en el que pintura, luz natural y arquitectura dialogan de manera inseparable. Allí Rothko realizó un ambiente meditativo, casi litúrgico, donde los grandes paneles oscuros construyen una experiencia inmersiva y silenciosa.
También en los lienzos de caballete, sin embargo, la idea es la misma: los rectángulos cromáticos se abren como umbrales, generando campos de energía que estructuran un espacio mental. Para Rothko la pintura debía crear un lugar, tanto físico como interior. Y es esta concepción arquitectónica y casi sagrada de la obra la que hace que su investigación siga siendo profundamente actual.
Uno de los aspectos más fascinantes de la muestra en Florencia será la profundización en la relación entre Rothko y la tradición artística italiana. Ya en las primeras obras se percibe la influencia del arte del Quattrocento y en particular de Beato Angelico, sobre todo en la cualidad luminosa y en la aplicación sutil del color, que recuerda la técnica del fresco.
El proyecto expositivo se extenderá además a la ciudad, involucrando el Museo di San Marco y el Vestíbulo de la Biblioteca Medicea Laurenziana diseñado por Miguel Ángel. En estos contextos, las obras de Rothko entrarán en diálogo con la pintura renacentista y con la arquitectura miguelangelesca, poniendo en evidencia afinidades inesperadas en la concepción del espacio y la luz. El diálogo con Florencia representará así una clave de lectura para comprender la profundidad histórica de su investigación.
Por otra parte, no han sido muchas las ocasiones de ver a Rothko en Italia. Una muestra dedicada a él se presentó entre 2007 y 2008 en el Palazzo delle Esposizioni de Roma, curada por Oliver Wick. Antes aún, en 1962, con el artista todavía vivo, la exposición en la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, en colaboración con el MoMA de Nueva York, y luego, en 1970, la muestra conmemorativa en Ca’ Pesaro, con motivo de la Bienal de Venecia de 1970, inmediatamente después de su trágica muerte.
Rothko se suicidó la mañana del 25 de febrero de 1970 en su estudio de Nueva York, donde se había retirado a vivir un año antes, tras la separación de su esposa Mell, desgastado por un estilo de vida marcado por excesos y depresión. Después de su muerte, la fortuna de Rothko creció constantemente hasta convertirlo en uno de los artistas más cotizados del mundo.
En 2012 Orange, Red, Yellow alcanzó casi 87 millones de dólares en Christie’s, mientras que en 2014 No. 6 (Violet, Green and Red) superó los 180 millones en una venta privada. Aún en noviembre de 2025, durante la Marquee Week de Christie’s en Nueva York, No. 31 (Yellow Stripe) fue adjudicado por más de 62 millones de dólares, marcando un récord para una oferta en línea en una subasta en vivo.
Estas cifras dan testimonio del impacto duradero de su obra, pero corren el riesgo de reducirla a fenómeno de mercado. La muestra del Palazzo Strozzi podría ser la ocasión para devolver a Rothko a su dimensión más auténtica: la de un artista que buscó, a través de la abstracción, construir espacios de espiritualidad e interrogar el sentido mismo de la experiencia visual.
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