Entrevista a Bettina M. Busse, curadora de la primera gran retrospectiva austríaca dedicada a Marina Abramović: en exhibición en el Albertina Museum, las obras más significativas de la pionera del performance art, desde sus inicios hasta hoy.
En 50 años de investigación, Marina Abramović siempre ha puesto en primer plano la vulnerabilidad del cuerpo en continuidad con la del espíritu, anunciando al mismo tiempo su capacidad de resistencia más allá del límite pensable. Una retrospectiva en el Albertina Modern de Viena, visitable hasta el 1 de marzo de 2026, hace balance de este recorrido que ha entrelazado arte y vida: desde las series Rhythm de los años setenta hasta la larga etapa compartida con Ulay, de los Transitory Objects a las acciones participativas y hasta The Artist Is Present. Un recorrido que recupera las muchas existencias de una práctica tensada entre los extremos de la herida y el poder, el riesgo y la transformación, la biografía y el mito. Hablamos de ello con la curadora, Bettina M. Busse.
Historiadora del arte y curadora, ha realizado exposiciones dedicadas a importantes artistas modernos y contemporáneos, entre ellos Joseph Beuys, Anish Kapoor, Jannis Kounellis y Jenny Holzer. En el Kunstforum ha curado proyectos expositivos de relieve como The Cindy Sherman Effect (2020), Rebecca Horn (2021) y David Hockney – Insights (2022), además de iniciativas interdisciplinarias y muestras dedicadas a artistas emergentes. En 2003 co-curó el Pabellón Austríaco en la Bienal de Venecia y dirige el Bruno Gironcoli Museum. Es autora y editora de numerosas publicaciones.
«Como curadora, defino esta retrospectiva sobre Marina Abramović como un recorrido que atraviesa más de cincuenta años de investigación artística, poniendo de relieve la coherencia y al mismo tiempo la evolución de una obra que ha transformado el lenguaje de la performance. La exposición está articulada en núcleos temáticos que muestran cómo la artista ha explorado los límites del cuerpo, la relación con el público, la energía de la naturaleza y la dimensión espiritual del tiempo y la presencia», nos contó Busse.
«Nuestro objetivo fue devolver tanto la radicalidad de las primeras acciones de los años setenta como la complejidad de los trabajos más recientes, que integran video, instalación y formas de ritualidad contemporánea. También quisimos destacar la dimensión colaborativa de su práctica, presentando documentación histórica, obras fundamentales y reactivaciones que permiten acercarse a la experiencia directa de la performance. Esta retrospectiva no es solo una celebración del recorrido de Marina Abramović, sino también una invitación a reflexionar sobre el poder de la presencia, sobre la vulnerabilidad, la resistencia y la capacidad del arte de transformar tanto a quien lo crea como a quien lo observa».
¿Cuándo tuviste tu primer contacto con Marina Abramović?
«El primer encuentro ocurrió cuando yo era una estudiante muy joven en Berlín. Por coincidencia me encontré cenando con Marina Abramović, Rebecca Horn y Ursula Krinzinger. Recuerdo que sobre la mesa había un pequeño mosquetón de madera, un detalle que se me quedó grabado mientras observaba a estas tres mujeres extraordinarias. El segundo contacto fue en los años noventa, cuando hice una pasantía en la Galería Krinzinger. Hoy trabajamos juntas desde 2022».
¿Cuándo entendiste que querías convertirte en curadora?
«Siempre tuve un fuerte interés por el arte contemporáneo y comencé con algunas pasantías. Primero en la Sommerakademie de Salzburgo, luego en Viena, donde colaboré en la organización de varias exposiciones. Después de trabajar en mi primer catálogo, entendí que quería ser curadora. Posteriormente empecé a trabajar en el MAK».
¿Cuántos años trabajaste en esta retrospectiva?
«Tres años. Tres años de trabajo intenso. Inicialmente la muestra estaba pensada para el Kunstforum Wien».
¿Estás feliz de que la exposición se haya realizado de todos modos en el Albertina Modern?
«Es una pregunta compleja. Por un lado no puedo decir que esté feliz, porque el cierre del Kunstforum fue una pérdida importante. Por otro, el montaje en el Albertina Modern es excelente: los espacios son perfectos y la exposición, en este sentido, ha encontrado una ubicación ideal. Para el museo ha sido una verdadera oportunidad».
Una de las obras presentes es Imponderabilia, histórica performance realizada en Bolonia en 1977. ¿Por qué era importante incluirla?
«Era fundamental. Entre los cuatro reenactments escogidos para la retrospectiva, Imponderabilia es una de las performances más icónicas de la colaboración entre Marina Abramović y Ulay. En la acción, los dos artistas se convertían literalmente en el pasaje de acceso al museo, obligando al visitante a atravesar sus cuerpos: un gesto que transformaba el espacio público en espacio relacional.
Es una performance crucial también porque pertenece a una fase de transición en su relación artística y personal».
La radicalidad física es un elemento central en su obra, como se ve en trabajos como Thomas Lips (1975) o Balkan Baroque (1997). ¿Cómo la describirías?
«La radicalidad es un rasgo distintivo de su arte. En Thomas Lips Abramović llevó el cuerpo más allá de todo límite, tanto que, durante la primera ejecución en la Galería Krinzinger, después de dos horas fue necesario interrumpirla. En 1990 realizó la versión para el Guggenheim, que duró siete horas. En Balkan Baroque, en la Bienal de Venecia de 1997, permaneció durante cuatro días sentada sobre un montón de huesos, cantando canciones de la ex Yugoslavia: una obra de enorme intensidad física y emotiva.
No creo que exista otro artista que haya llevado tan lejos el cuerpo y la psique. Es única en su radicalidad».
¿Qué piensas de la muestra en la Galería Krinzinger dedicada a las fotografías de Thomas Lips?
«Creo que es un proyecto importante. El fotógrafo Fritz Krinzinger, que también es arqueólogo y profesor universitario, documentó la performance de manera casi científica, paso a paso. Hay también imágenes privadas, muy íntimas. Es un material que ni siquiera Marina conocía por completo. Muestra cuánta riqueza archivística queda aún por descubrir».
¿Podemos decir que con The Artist Is Present (MoMA, 2010) Marina Abramović se convirtió en una “superestrella”?
«Absolutamente sí. Ya era muy conocida en el mundo del arte, pero The Artist Is Present la llevó a un público global. Klaus Biesenbach tuvo una intuición genial: un gran espacio, una mesa, dos sillas y la presencia de la artista. Fue un momento epocal».
¿Hay alguna performance que te haya hecho llorar?
«La performance Luminosity, que vi en Berlín en 1997. Es una obra de gran fuerza física y espiritual, intensa y dolorosa. Me impresionó profundamente, pero no creo haber llorado nunca durante una performance».
Ursula Krinzinger es una figura clave en la carrera de Abramović. ¿Cómo ves la relación entre estas dos mujeres?
«Diría que para Marina hay dos familias: la biológica y la del arte. Ursula pertenece a la segunda. Trabajar con Marina es sorprendente: pese a la fama, es una persona concreta, irónica y muy profesional. Es extremadamente precisa y toma decisiones rápidamente».
Las obras más recientes de Abramović, vinculadas a energía, cristales y espiritualidad, ¿pueden parecer esotéricas?
«Diría que no. Pueden tener una apariencia esotérica, pero en realidad están arraigadas en una reflexión profunda sobre la naturaleza como fuente de energía. En la exposición traté de destacar este vínculo: no es misticismo, es una forma de escucha del mundo».
¿Aquí en el museo es posible experimentar el método Abramović?
«Sí. Hemos incluido Counting the Rice, un ejercicio en el que los visitantes se sientan a una gran mesa y separan granos de arroz y lentejas, anotando los resultados. Pueden hacerlo durante horas. Las performers involucradas en los reenactments siguieron este ejercicio durante el taller preparatorio, durante siete horas consecutivas».
¿Cuáles serán tus próximos proyectos?
«No puedo revelarlo todavía, pero estoy trabajando en dos o tres proyectos muy interesantes para Viena».
¿Cuál es el color que asocias con la vida de Marina Abramović?
«El rojo oscuro».
¿Y el tuyo?
«También amo ese color. Gracias».
