Lee Krasner y Jackson Pollock, la pareja que redefinió la abstracción en una exposición en el Metropolitan
En el Metropolitan de Nueva York, una exposición reunió más de 120 obras para contar las trayectorias entrelazadas de Lee Krasner y Jackson Pollock. Y para reescribir la historia del Expresionismo abstracto.
Un diálogo intenso entre dos prácticas que se desarrollaron de manera autónoma pero entrelazando de forma inseparable sus trayectorias de vida, entre proximidad, divergencias y estímulos recíprocos, sobre el trasfondo de una relación sentimental y humana profundísima. Del 4 de octubre de 2026 al 31 de enero de 2027, la exposición Krasner and Pollock: Past Continuous reunió en Nueva York, en las Tisch Galleries del Metropolitan Museum, las investigaciones de Lee Krasner y Jackson Pollock.
Curada por David Breslin y Brinda Kumar, la exposición propuso una relectura global de sus trayectorias, desde la formación en los años treinta hasta los desarrollos posteriores a la muerte de Pollock en 1956. El subtítulo, Past Continuous, retomó una pintura de Krasner de 1976 y aludió a una temporalidad que no se cierra, para dos vidas entrelazadas en una historia personal que también se convirtió en historia del arte.
Dos recorridos, un terreno común
Krasner, nacida en Brooklyn en una familia judía de origen ucraniano, se formó entre la Cooper Union, la Art Students League y la National Academy of Design, para luego entrar en contacto con las vanguardias europeas a través de la enseñanza de Hans Hofmann. El interés por Picasso, Matisse y Mondrian, junto con su participación en el American Abstract Artists Group, marcó su temprana adhesión a una abstracción estructurada, nutrida de color y tensión compositiva. Pollock, criado entre Wyoming y California, absorbió en cambio influencias que iban desde el Regionalismo estadounidense de Thomas Hart Benton hasta el muralismo mexicano, pasando por el Surrealismo.
Cuando ambos se conocieron, en 1942, con motivo de una exposición organizada por John Graham, ya estaban plenamente insertos en el ambiente de vanguardia neoyorquino. Se casaron en 1945 y se trasladaron a Springs, Long Island, en una casa-estudio que se convertiría en un laboratorio compartido y, al mismo tiempo, en un espacio de tensiones creativas.
En 1949 expusieron juntos por primera vez con motivo de la muestra Artists: Man and Wife en la Sidney Janis Gallery de Nueva York, pero las obras de Lee fueron descartadas con demasiada rapidez como imitaciones ordenadas de los trabajos de Jackson. Sin embargo, fue en esa ocasión cuando Krasner desarrolló, en las Little Images, una tipología de signos que volvería a aparecer a lo largo de toda su carrera, también inspirada en las “écritures blanches” de Mark Tobey.
Frustrada por la tibia acogida reservada a su investigación y por el abuso de alcohol de su marido, en 1953 tomó los dibujos colgados en las paredes y en el techo de su estudio y empezó a romperlos. «Un día entré, los odié todos, los quité, lo rompí todo y lo tiré al suelo, y cuando volví… fue aparentemente un acto muy destructivo. No sé por qué lo hice, salvo que ciertamente lo hice».
Pero Krasner no se desanimó y, después de destruir sus creaciones, las volvió a ensamblar en una serie de collages compuestos por viejos dibujos, fragmentos de pinturas y trozos de sacos de yute. Cuando se expusieron en la Stable Gallery en 1955, el mismo crítico que había criticado sus “Little Images”, Stuart Preston, afirmó: «El ojo queda cercado por la miríada de recortes de papel y tela cubiertos de color que ella pega con gran energía. Es una colorista ruidosa».
Desde el punto de vista historiográfico, la figura de Pollock, consagrada también por la atención mediática —famosa la portada de Life de 1949 que se preguntaba si era «El mayor pintor vivo de Estados Unidos»— terminó por eclipsar la de Krasner. Su muerte prematura, ocurrida en 1956 en un accidente automovilístico a pocos kilómetros de la casa de Springs, mientras viajaba con su amante Ruth Kligman y con Edith Metzger —que murió en el choque, mientras Kligman sobrevivió y Lee Krasner se encontraba en París— contribuyó de manera decisiva a cristalizar su mito.
Krasner administró su legado y se aseguró de que su fama y su reputación permanecieran intactas. Al mismo tiempo atravesó una fase de intensa reelaboración artística: comenzó a trabajar en el estudio-granero de Springs —había sido ella quien convenció a la coleccionista Peggy Guggenheim de adelantarle el dinero para la casa—, afrontó el duelo en series como Prophecy y consolidó una posición que solo sería plenamente reconocida a partir de los años setenta, también gracias a las relecturas feministas y a la retrospectiva del Whitney en 1973.
Ambos están enterrados en el Green River Cemetery de Springs.
Reescribir la historia del Expresionismo abstracto
La exposición en el Metropolitan contó esta duplicidad más que un dualismo: algunas salas pusieron las obras en diálogo directo, otras las presentaron por separado, para restituir la especificidad de cada investigación. Si Pollock encontró entre 1946 y 1951 su momento de ruptura con la técnica del dripping, que condujo a la creación de obras emblemáticas como Number 1, 1950 (Lavender Mist) o The Deep, Krasner desarrolló un recorrido menos lineal pero igualmente radical, desde las Little Images hasta los collages en blanco y negro, pasando por las grandes telas de los años sesenta como The Eye is the First Circle y Combat.
Krasner and Pollock: Past Continuous asumió como premisa la igualdad entre ambos artistas, considerándolos «Compañeros en la vida y gigantes en la historia del arte». Más de 120 obras procedentes de las colecciones del Met y de más de 80 prestadores internacionales, entre ellos la Peggy Guggenheim Collection, el MoMA, la Tate y el Centre Pompidou, reconstruyeron una constelación de influencias, rupturas y retornos que atraviesan el Expresionismo abstracto y complican su narración canónica.
En esta perspectiva, la exposición del Met se inscribió en un proceso más amplio de revisión historiográfica que afecta a muchas figuras femeninas que durante mucho tiempo permanecieron a la sombra de compañeros más célebres. Como en el caso de Josephine Nivison Hopper, pintora y compañera durante 43 años de Edward Hopper, cuya producción fue durante décadas marginada frente al mito solitario de Hopper. O la figura de Nancy Dine, directora nominada al Óscar, activista por los derechos de las mujeres y compañera histórica de Jim Dine, fallecida en 2020.
Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com
