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El fenómeno de la Korean Wave contado a través de la experiencia del diseñador de moda Cho Sungmin, para una reflexión sobre el mundo de la moda y la relación entre visibilidad global y autonomía estética

En los últimos 20 años, Corea del Sur ha construido uno de los dispositivos más eficaces de producción cultural de la contemporaneidad. Es lo que comúnmente se define como “Hallyu”, la Korean Wave, un fenómeno más complejo de redefinición simbólica: un soft power estético que atraviesa cine, música, televisión, belleza, arte y moda, transformando Seúl en uno de los nodos más dinámicos del imaginario global. Desde el reconocimiento internacional del cine coreano con obras como Parasite hasta la presencia global del K-pop, encarnada por grupos como BTS y BLACKPINK, pasando por la viralidad de narrativas seriales como Squid Game, Corea ha transformado progresivamente su cultura en un lenguaje exportable y altamente reconocible.

Dentro de este ecosistema, la moda ocupa una posición ambigua y particularmente interesante. Si por un lado Seúl se ha convertido en uno de los contextos urbanos más acelerados y competitivos de la industria global de la imagen, por otro, muchos diseñadores coreanos están desarrollando prácticas que cuestionan precisamente esta lógica de velocidad e hiperproducción. Más que un simple reflejo de la Korean Wave, la moda coreana contemporánea parece funcionar como un espacio de negociación entre visibilidad global y autonomía estética, entre participación en el sistema internacional y construcción de un lenguaje situado.

Es en esta tensión donde se sitúa el trabajo de Cho Sungmin. Fundador de la marca Jaden Cho, construye su proyecto como una especie de contrarritmo frente a la velocidad del sistema de la moda: producciones limitadas, modelos made-to-order y una fuerte atención a la materialidad de la prenda como objeto cargado de tiempo. Más que perseguir el crecimiento típico de la industria, el diseñador privilegia un proceso en el que construcción, memoria y dimensión emocional se convierten en parte integral del lenguaje del vestido. En un contexto como el de Seúl, caracterizado por el consumo rápido y la producción constante de imágenes, su trabajo introduce una forma de resistencia silenciosa, en la que la lentitud se convierte en un gesto estético y político.

Con motivo de la presentación de su trabajo en Milán, hablamos con él sobre sistemas productivos alternativos, la posición de los diseñadores coreanos dentro de las jerarquías europeas de la moda y la tensión entre romanticismo, disciplina y estructura que atraviesa sus colecciones.

Como fundador estás construyendo un sistema en torno a tu estética. ¿Qué has tenido que limitar —crecimiento, visibilidad, control— para preservar la coherencia de tu marca?

«Al principio tuve que aceptar que la marca no podía crecer según las lógicas típicas del sistema de la moda. En lugar de producir grandes cantidades, elegí trabajar con un modelo made-to-order o con producciones muy limitadas. No fue solo una elección filosófica: al comienzo también fue una estrategia de supervivencia. Con el tiempo, sin embargo, esta decisión se convirtió en una parte integral de la identidad de JADEN CHO. Cuando produces menos puedes dedicar más atención a los materiales, a la calidad artesanal y a la construcción de la prenda. Me gusta pensar que cada prenda está hecha para una persona específica y no existe como excedente de stock».

El ecosistema de la moda en Seúl es extremadamente competitivo y acelerado. ¿Cómo se protege la profundidad en un contexto que premia la inmediatez?

«Seúl se mueve a una velocidad extraordinaria. Existe una fuerte cultura de la inmediatez y del consumo rápido, especialmente en la moda. Para mí la profundidad nace cuando la prenda se convierte en un objeto que contiene tiempo. Me interesan prendas que llevan consigo trabajo, memoria y emoción a través de la forma en que están construidas. Cuando algo requiere semanas o meses para ser realizado, opone naturalmente una resistencia a la velocidad del sistema».

Soul Threads sitúa a diseñadores coreanos dentro de una narrativa curatorial. ¿Tienes la sensación de que este tipo de encuadre colectivo simplifica la complejidad individual? ¿Qué significa para ti estar posicionado dentro de una narrativa compartida sobre Seúl?

«Las presentaciones colectivas siempre son una cuestión de equilibrio. Por un lado, cada diseñador posee una voz y un proceso muy específicos. Por otro, ser presentados juntos contribuye a construir una narrativa más amplia sobre Seúl y sobre la moda coreana contemporánea. Si un proyecto permite al público internacional captar esta complejidad a través de perspectivas diversas, entonces se vuelve realmente significativo».

Al presentarlo en Milán, tu trabajo entra en una jerarquía de la moda europea con una larga historia de poder y legitimación. ¿Esto influye en la forma en que percibes tu posición?

«Los años de estudio en Londres me hicieron muy consciente de las estructuras del sistema de la moda europeo. Al principio sentía una fuerte presión por alinearme con esa tradición. Con el tiempo, sin embargo, entendí que intentar imitar ese contexto no es particularmente productivo. Ya existen muchos diseñadores que pertenecen naturalmente a esa historia. Mi posición se vuelve más clara cuando acepto que mi punto de vista nace de Seúl. Presentar en Milán es interesante precisamente porque pone en diálogo estas historias diferentes. No se trata de competir dentro de la misma jerarquía, sino de introducir otra perspectiva».

Tu trabajo parece disciplinado y contenido. ¿Es una extensión de tu temperamento o una estrategia para crear estabilidad en una industria inestable?

«Probablemente ambas cosas. A nivel personal soy bastante introspectivo y nostálgico, y mi trabajo refleja a menudo este sentido de medida. Al mismo tiempo, la industria de la moda es extremadamente inestable en el plano financiero, emocional y estructural. Tener un lenguaje visual disciplinado ayuda a crear una forma de estabilidad dentro de este contexto. La marca gira en torno a ideas como romanticismo, felicidad y tiempo. En la vida cotidiana, especialmente en una ciudad como Seúl, estas dimensiones a menudo faltan. Quizás las prendas se convierten en una manera de imaginar o construir esos ideales».

Tu última colección parece definir aún más tu lenguaje visual. ¿De qué manera se conecta con tu trabajo anterior y dónde introduce un desplazamiento?

«Para mí cada colección no representa una ruptura neta, sino más bien una evolución gradual del mismo lenguaje. Me interesa constantemente la relación entre material, ornamento y silueta. Motivos florales, quilting y construcciones escultóricas aparecen a menudo porque me permiten explorar al mismo tiempo textura y estructura. Lo que cambia, temporada tras temporada, es sobre todo el tono emocional. Algunas colecciones son más contenidas, mientras que otras dejan espacio a mayor luminosidad o juego. En el trabajo más reciente quería investigar la tensión entre delicadeza y estructura: superficies suaves y románticas junto a siluetas y construcciones más definidas. Este contraste refleja algo de la propia Seúl, una ciudad en la que elegancia e intensidad coexisten constantemente».

Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com