A pocos meses de la muerte de David Hockney, fallecido en Londres el 11 de junio de 2026 a los 88 años, Australia se prepara para acoger dos grandes exposiciones dedicadas a su obra. Entre septiembre y octubre abrirán David Hockney: Portraits in Print en la National Gallery of Australia de Canberra y David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) en Carriageworks, Sídney. Dos proyectos independientes y muy diferentes entre sí, que revisan respectivamente su investigación sobre el retrato y la dimensión inmersiva de su producción.
La primera exposición se inaugurará el 5 de septiembre de 2026 en la National Gallery of Australia, que conserva el conjunto más amplio de obras de Hockney presente en el país. Abierta hasta el 14 de febrero de 2027, Portraits in Print reunirá más de 60 obras realizadas a lo largo de casi 30 años, reconstruyendo el papel central del retrato en la práctica del artista británico.
El 22 de octubre será el turno de Sídney, donde el centro cultural Carriageworks acogerá el estreno australiano de Bigger & Closer (not smaller & further away), la experiencia inmersiva concebida por Lightroom London en estrecha colaboración con Hockney. La producción transformará la gran arquitectura industrial de la Bay 17 en un entorno digital construido mediante proyecciones de 360 grados, imágenes, sonido y una banda sonora compuesta especialmente por Nico Muhly.
Los rostros de Hockney en la National Gallery of Australia
«Los rostros son las cosas más interesantes que vemos», sostenía Hockney, identificando en el rostro el punto a través del cual entrar en la identidad del otro. En la National Gallery of Australia, el retrato se convierte así en una clave para recorrer la vida privada, las relaciones y la evolución técnica del artista.
Las obras expuestas documentarán la manera en que Hockney volvió una y otra vez sobre los mismos sujetos, registrando el paso del tiempo y transformando a amigos, colaboradores y seres queridos en protagonistas de un archivo afectivo. Entre las figuras recurrentes se encuentran la diseñadora Celia Birtwell y Gregory Evans, representados primero mediante formas naturalistas y posteriormente a través de composiciones fragmentadas y perspectivas de matriz neocubista.
El recorrido también pondrá de relieve la importancia de la estampa en su investigación. Hockney consideraba el grabado y la litografía especialmente adecuados para transmitir la fluidez y seguridad de la línea, pero su experimentación también se extendió a fotografías, hojas de mylar, faxes y dibujos digitales. Una apertura constante a las tecnologías que multiplicaba las posibilidades de la mano.
La exposición adquiere un significado particular para la National Gallery, que conserva la colección más amplia e importante del artista en la región. Su relación con el museo está además estrechamente vinculada al célebre fondo de estampas de Kenneth E. Tyler, en el que se inscribe una de las colaboraciones más decisivas de su carrera. El maestro impresor Ken Tyler y Hockney comenzaron a trabajar juntos ya en los años sesenta, dando lugar a una asociación creativa dinámica y profundamente experimental.
Durante los largos años que pasó en Estados Unidos, Hockney fue el único artista que trabajó en los cuatro talleres de Tyler —Gemini, Gemini GEL, Tyler Workshop Ltd y Tyler Graphics Ltd—, desarrollando junto a él, a lo largo de más de tres décadas, algunas de sus series gráficas más importantes: desde las íntimas litografías dedicadas a amigos y amantes de comienzos y mediados de los años setenta, hasta las piscinas realizadas con pulpa de papel a finales de esa década, pasando por la serie moving focus de los años ochenta, de inspiración cubista y gran complejidad visual.
Una exposición inmersiva construida junto al artista
En Sídney, el público se encontrará en cambio con un Hockney monumental, proyectado sobre las paredes y acompañado por su propia voz. Bigger & Closer fue desarrollada junto al artista a partir de 2019 e inaugurada en 2023 en Londres, para después viajar a Manchester, Shanghái, Seúl y Singapur. Hasta ahora ha sido visitada por más de 650.000 personas.
La exposición se articula en seis capítulos temáticos y recorre 60 años de trabajo, desde los experimentos fotográficos hasta los collages de Polaroid, desde las pinturas del Gran Cañón hasta los paisajes digitales realizados en iPad, pasando por los diseños escenográficos para teatro y ópera. Por tanto, no se limita a ampliar las obras, sino que intenta reconstruir el proceso mediante el cual Hockney observaba, descomponía y recomponía el mundo.
La narración grabada por el artista acompaña al público a través de sus reflexiones sobre la perspectiva, la fotografía y el tiempo. Según Richard Slaney, director ejecutivo de Lightroom y productor de la exposición, Hockney consideraba el proyecto una obra autónoma y participó directamente en la selección de las imágenes, los materiales de archivo y las nuevas grabaciones.
Precisamente la presencia de su voz atribuye hoy a la experiencia un significado adicional. La exposición, concebida cuando el artista aún estaba vivo, se presenta ahora inevitablemente como una obra testamentaria, capaz de transmitir no solo las imágenes, sino también el tono, la ironía y el método con los que Hockney invitaba a contemplarlas.
Dos experiencias opuestas y complementarias
La coincidencia de las dos exposiciones ofrece dos formas casi opuestas de acercarse a su obra. En Canberra domina el encuentro cercano con el papel, la línea y los rostros: una experiencia construida sobre la precisión de la mirada y la intimidad de la estampa. En Sídney, por el contrario, el visitante entra físicamente en un espacio dilatado, en el que las imágenes envuelven el cuerpo y el museo se aproxima al lenguaje del cine y el teatro.
Es una contraposición que parece reflejar la misma curiosidad de Hockney, capaz de moverse sin jerarquías entre el dibujo, la pintura, el grabado, la fotografía, la escenografía y los dispositivos digitales. El artista entendía la tecnología como una herramienta más para abordar las cuestiones que atravesaron toda su carrera: cómo vemos, cómo representamos el espacio y cómo una imagen puede devolvernos la experiencia del tiempo.
El interés de Australia por su obra no es, por lo demás, casual. Los colores intensos, la luz, las piscinas y la vegetación de California construyeron una parte esencial de su imaginario, encontrando una resonancia natural en el paisaje y la cultura visual australianos. «Aguas azules profundas, follaje verde brillante y cuerpos resplandecientes» son, según el director de Carriageworks, Fergus Linehan, imágenes ya familiares para el público de Sídney.
En Londres, la última exposición realizada por Hockney
Mientras Australia se prepara para celebrar al artista, en Londres todavía puede visitarse David Hockney: A Year in Normandie and Some Other Thoughts about Painting, abierta en la Serpentine North Gallery hasta el 23 de agosto de 2026. Se trata de la primera exposición individual de Hockney en la Serpentine y de una de las últimas muestras concebidas directamente junto al artista.
La exposición —de la que próximamente publicaremos una reseña más amplia— presenta nuevas pinturas junto al monumental friso digital A Year in Normandie, realizado entre 2020 y 2021 y mostrado por primera vez en Londres en su totalidad. La obra, de unos 90 metros de longitud e inspirada tanto en el Tapiz de Bayeux como en los rollos pintados chinos, sigue el paso de las estaciones en el paisaje que rodeaba el estudio normando del artista. La relación con los árboles y la naturaleza de Kensington Gardens amplía aún más esa reflexión sobre la mirada cotidiana que Hockney resumía en su invitación a ralentizar el ritmo y observar aquello que normalmente pasa desapercibido.
Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com.
