En las solemnes salas de la Embajada de Italia en Berlín tiene lugar, hasta el 2 de octubre de 2026, un encuentro sutil y potentísimo que anula las distancias del tiempo. Promovida por Offsite Arts en colaboración con la Embajada con motivo de la Berlin Art Week, la exposición curada por Tjioe Meyer-Hecken y Felipe Schwager marca la primera aparición pública en Alemania de una obra maestra redescubierta: “Magdalena en éxtasis” (c. 1606) de Michelangelo Merisi da Caravaggio. Como contrapunto no hay una simple respuesta visual, sino una nueva obra escultórica encargada a la gran artista flamenca Berlinde De Bruyckere. Un diálogo íntimo, a distancia de siglos, que pone en el centro el cuerpo, su vulnerabilidad y su inevitable aspiración a lo trascendente.
Las vicisitudes relacionadas con “Magdalena en éxtasis” llevan consigo una pátina de misterio y dramatismo existencial. Los estudiosos sugieren, de hecho, que esta tela se encontraba entre las que Caravaggio llevaba consigo en su último y desesperado viaje hacia Roma, mientras esperaba el perdón del papa Pablo V después de haber sido condenado a muerte por asesinato. Tras su muerte prematura en julio de 1610, se perdieron sus rastros durante casi cuatro siglos, hasta su hallazgo en 2014 y su autenticación por parte de la historiadora del arte Mina Gregori, un acontecimiento que marcó uno de los redescubrimientos más significativos de las últimas décadas.
En la pintura de Caravaggio, la santidad se despoja de la idealización renacentista para convertirse en materia humana, marcada por la soledad y un profundo sufrimiento. Su célebre claroscuro atraviesa la penumbra y revela un éxtasis que es al mismo tiempo espiritual y profundamente corporal, un aliento contenido en un instante que todavía parece increíblemente vivo.
El realismo radical del Merisi encuentra un espejo perfecto en la obra plástica de Berlinde De Bruyckere (Gante, 1964). La artista belga, vinculada desde siempre a la tradición del Renacimiento flamenco y a la iconografía religiosa, crea esculturas que se nutren del dolor íntimo y de la fragilidad de la existencia mediante el uso de cera, pieles de animales, tejidos y madera.
Para esta ocasión, De Bruyckere realizó una nueva obra que amplía su célebre serie de los “Liggende Arcangelo”. Si en las esculturas anteriores el ángel parecía flotar en una suspensión atemporal, aquí la figura angelical se fusiona con el cuerpo femenino, revelando una forma híbrida sacudida por una inquietud interior y un malestar padecido durante mucho tiempo. La piel animal se adhiere y sigue de cerca las anatomías humanas, amplificando una presencia física y emocional densa, casi dolorosa.
Así como Caravaggio había interiorizado la presencia de lo sobrenatural reduciéndola a una experiencia íntima y humana, De Bruyckere despoja al ángel de sus alas doradas para devolvernos una criatura terrestre, hecha de pliegues, heridas y memorias encarnadas.
De allí surge un recorrido visual en el que el recinto de la historia del arte se abre y se desvanece. Entre la luz dramática del Seicento italiano y la escultura táctil del contemporáneo flamenco se establece un canal de escucha recíproca: dos visiones que neutralizan sus coordenadas temporales para hablar con fuerza a nuestro presente, recordándonos que es precisamente en el surco de la vulnerabilidad donde reside nuestra forma más pura de trascendencia.
Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com
