Para entrar al «living» de Mariela Scafati antes que nada hay que descalzarse: solo así podemos percibir con la planta de los pies la suavidad de la alfombra negra que atraviesa el espacio de lado a lado. Sobre este fondo uniforme destacan los extraños muebles-tela que caracterizan la práctica de la artista desde hace unos cuantos años. Invitándonos a recorrer el espacio, la artista y la curadora Guille Mongan insisten una y otra vez en la importancia del disfrute como estrella polar del largo proceso de producción y montaje que llevó a la inauguración de la primera personal institucional de la artista en la Argentina. Un disfrute que se experimenta antes que nada desde lo visual, casi un desafío sensorial para los ojos que recorren las paredes geométricamente pintadas hasta tropezarse con unas no tan pequeñas incongruencias, intencionales interrupciones de la regularidad del patrón setentoso.
Se disfruta también el cosquilleo de la imaginación producido por el potencial narrativo de las situaciones que habitan el espacio: telas monocromas de distintas dimensiones se agrupan entre sí hasta formar una silueta cuyas medidas coinciden con las del cuerpo de la artista. Es un alter ego objetual, libre de combinarse y recombinarse en des-articulaciones nuevas que sugieren hechos traumáticos o graciosos, según la fabulación de quien mire: por momentos lo encontramos inmóvil, aplastado por un banco invertido, patas arriba, cuyo peso enuncia una intención de dominación; por momentos nos tropezamos con su reverso, desplomado sobre una mesita de luz entreabierta, como si estuviera en búsqueda de algo perdido.
Y esta es la tercera dimensión del disfrute: la interacción lúdica con el living de la artista que, como un organismo vivo, se traga objetos y obras escondiéndolas en sus entrañas. Hay que agacharse para vislumbrar la botella de whisky escondida en la mesita de luz o las dos telas que se camuflan con los estantes de uno de estos muebles imposibles. En efecto, además de una excéntrica sala de estar, Living es también un ser animado, que tiene vida y es habitado por múltiples seres en cuyas articulaciones se inscribe la potencialidad de una transformación futura. Momentáneamente exánimes, estos cuerpos parecen estar a punto de levantarse en cualquier momento. Las bisagras que unen sus partes son rodillas, codos, tobillos que niegan la unidad y la inmutabilidad del objeto para abrir la posibilidad de una organicidad híbrida, graciosa e inquietante a la vez.
La sensación de una interacción sigilosa y furtiva con los objetos de la sala se refuerza con la pieza sonora producida especialmente por Lola Granillo, en la que por momentos parecen filtrarse notas de La Pantera Rosa. Quizás haya una alusión al color dominante en el espacio y tan representativo de la obra de Scafati o, en una lectura aún más caprichosa, a los orígenes del dibujo animado de Friz Freleng: no más que la silueta de una pantera inscripta en un diamante inerte, objeto de deseo en la película homónima. De nuevo un cruce curioso entre lo animado y lo inanimado, con su inevitable cuota de humor.
Más allá de las consideraciones experienciales, destacan las operaciones propiamente artísticas que atraviesan la exposición y que revelan una manipulación consciente de distintas herencias. Las pinturas renuncian a su tradicional jerarquía de poder simbólico para convertirse en un objeto más, un elemento que ya hace rato no aspira a la ilusión representativa de la ventana albertiana, y que además, al hibridarse con objetos domésticos, se desprende de la autonomía propia de las corrientes abstraccionistas.
En lugar de alinearse con la rigidez de la abstracción geométrica, estas piezas dialogan con la tradición surrealista que explora lo perturbador y lo extraño a través de la tensión entre lo animado y lo inanimado, lo orgánico y lo inorgánico, el cuerpo y el objeto (mientras escribo se me viene a la mente, por afinidad en el uso de objetos domésticos, la imagen de Desayuno con pieles de Meret Oppenheim). A la vez, el carácter manipulable del objeto surrealista es negado por una visión integral de la obra que, como es costumbre en la práctica de la artista, adquiere una dimensión ambiental alterando las coordenadas espaciales en las que se inscribe.
Cierra el recorrido un detalle aparentemente fuera de lugar, que contradice la predominancia en la sala de líneas diagonales y rectas: un firulete de tela pintada abandonado sobre el piso y enfocado por un halo de luz. La artista cuenta que apareció inesperadamente durante el proceso de trabajo, como una manifestación inconsciente de la sinuosidad gráfica de Gumier Maier, maestro involuntario de muchas generaciones de artistas, cuyas obras se encuentran unos metros más allá en la deliciosa retrospectiva curada por Francisco Lemus. Casi una epifanía visual sobre el final, el fragmento sintetiza la naturaleza de «Living»: una muestra que le rinde homenaje a una genealogía afectiva y artística, reafirmando su propia naturaleza de ecosistema abierto a la posibilidad de una desestabilización constante.
