La obra de arte ya no es una isla. Ha dejado de vivir en un territorio separado —y privilegiado— y hoy se encuentra en el mismo paisaje poroso que un bolso Kelly de Hermès, una vajilla de Richard-Ginori o un baúl de Louis Vuitton. Arte, diseño, moda, joyería, artes decorativas – véase el concepto de artificación – comparten hoy los mismos públicos potenciales y un mismo vocabulario enriquecido por términos como rareza, savoir-faire y deseo. Esa tensión permanente entre posesión y carencia que un buen vendedor nunca debe llegar a colmar por completo.
Lo sabe bien la casa de subastas Kruso Art, que en julio, en Milán, organizó una jornada completa dedicada al arte, joyas, relojes, bolsos icónicos y artes decorativas bajo el concepto de Luxury Day. Transversal, contaminado, programáticamente híbrido: un formato que intercepta esa zona gris, cada vez más poblada, en la que la posesión se transforma en relato y el gusto en una declaración identitaria.
Conversamos sobre ello con su CEO, Andrea Orsini Scataglini.
¿Qué lectura del mercado está en la base del nacimiento del Luxury Day?
«El Luxury Day nació a partir de una lectura muy clara: el propio concepto de coleccionismo se está ampliando y, con él, también cambian las categorías de objetos percibidas como bienes coleccionables. Hoy los bolsos icónicos, las joyas, los objetos de diseño y las piezas de vajilla ya no son únicamente bienes de lujo, sino que expresan una forma diferente de coleccionar, más personal y transversal. Al mismo tiempo cambia también el significado mismo de la posesión. Si antes el valor simbólico de una obra estaba ligado sobre todo al estatus que representaba, hoy el coleccionismo es una expresión de gusto, identidad y cultura personal. Los coleccionistas están más informados, son más curiosos y más libres en sus elecciones. Nuestra tarea es interpretar estos cambios y traducirlos en catálogos capaces de anticipar el mercado, no simplemente de seguirlo».
Las subastas cross-category —o, como en el caso del Luxury Day, jornadas dedicadas a sectores diferentes pero afines— ¿son una señal de madurez del mercado? ¿O existe el riesgo de una progresiva pérdida de competencias especializadas?
«Deben entenderse como una verdadera señal de madurez. Supervivencia y adaptación van de la mano, y no saber —o peor aún, no querer— captar las nuevas necesidades expresadas por un mercado en constante evolución desde muchos puntos de vista solo conduce a una imitación miope de modelos ya ampliamente reconocidos e interiorizados. Desde el punto de vista de la superposición de competencias, vivimos en un mundo en el que cualquier ámbito dispone de herramientas de diálogo con el exterior. La cuestión no es, por tanto, la superposición en sí misma, sino la capacidad de integrar esta polifonía de voces con el objetivo de generar un diálogo cada vez más constructivo, innovador y enriquecedor».
En un mercado donde los límites entre categorías son cada vez más fluidos, ¿hasta qué punto contribuyen hoy las casas de subastas a orientar el gusto? ¿Y cómo ha cambiado su papel en los últimos años?
«Más allá de las transformaciones del mercado, hay elementos que siguen siendo centrales. El sistema del arte continúa basándose en la credibilidad y la autoridad de sus principales actores, como las galerías y las casas de subastas, que desempeñan un papel fundamental a la hora de orientar el mercado e interpretar sus evoluciones. Las casas de subastas no se limitan a registrar las tendencias: a través de las obras y los artistas que seleccionan, contribuyen a dirigir la atención hacia nuevos ámbitos del coleccionismo y a consolidar aquellos ya existentes. Lo mismo ocurre con las galerías, que siguen siendo un punto de referencia en la construcción del valor de artistas y movimientos. Hoy, en un mercado cada vez más global y lleno de información, su papel es quizá todavía más importante: seleccionar, contextualizar y ofrecer a los coleccionistas claves de lectura fiables. Es precisamente esta capacidad de actuar como filtro y guía la que continúa marcando la diferencia».
El público es cada vez más diverso, las categorías son cada vez más fluidas, es un hecho. Pero ¿ven diferencias entre el coleccionista de arte que se acerca al lujo y el coleccionista de lujo que se aproxima al arte?
«Sin duda, segmentos diferentes requieren enfoques distintos hacia el coleccionismo. Quien, por ejemplo, siempre ha coleccionado arte moderno y contemporáneo —en el caso italiano con una atención casi obsesiva al estudio y a la preparación— seguramente se acercará a nuevos ámbitos con la misma predisposición. Quien, en cambio, siempre haya privilegiado una compra más impulsiva, poniendo en primer lugar un criterio estético, probablemente hará lo mismo. En definitiva, es inevitable llevar consigo un determinado bagaje de experiencia, manteniéndose al mismo tiempo completamente abiertos a las oportunidades de contaminación que un determinado sector puede ofrecer».
¿Cuánto pesan las redes sociales en esta transformación, en un mundo donde arte, moda, diseño y lifestyle conviven en un mismo espacio y contribuyen a determinar aquello que se vuelve deseable?
«Las redes sociales se han convertido ya en una extensión imprescindible para los operadores de estos sectores. Su capacidad de influencia es indiscutible, aunque quizás hoy estemos llegando cada vez más rápidamente a un punto de saturación en el que simplemente todo se mezcla. Esa sensación de algo ya visto o ya dicho acompaña constantemente a cualquier contenido de Instagram o TikTok, y la galaxia de oportunidades creativas aprovechables mediante la inteligencia artificial no hace más que dar un nuevo impulso a este proceso. Si consideramos también las influencias negativas de las redes sociales en términos de reducción de la capacidad de atención, pueden surgir serias dudas sobre el impacto positivo real de estas herramientas en un futuro no demasiado lejano. La originalidad hoy pasa por una solución tan radical como utópica: saber distanciarse completamente de lo digital para recuperar el virtuosismo de la relación humana».
En 2026 inauguraron el formato Art de la Table, quizás una de las categorías más interesantes porque se refiere a objetos cotidianos. ¿Es un retorno al valor del uso o una nueva forma de inversión en el lifestyle?
«Hoy nuestras casas son una mezcla perfecta de objetos ultramodernos acompañados por el cuadro antiguo que se quiere deliberadamente contraponer. Nuestra vida está hecha de memoria: cada objeto nos vincula a un momento particular de nuestra existencia, y también los jóvenes tienen una gran necesidad de historias que escuchar. Art de la Table quiere contar una historia, aquella que nos conecta con nuestras tradiciones o que nos permite vivir las de otras culturas. Se trata siempre de un relato».
Siempre a partir de Art de la Table: ¿cuáles son las señales que les permiten comprender que una categoría puede desarrollar un verdadero mercado de coleccionismo?
«Las modas van y vienen, al igual que el interés por los objetos. Hay que estar atentos y anticipar las tendencias. El estudio del mercado debe realizarse independientemente. Y después basta con mirar la televisión: hoy existen muchos programas dedicados al arte de la mesa, cada vez más atentos a cómo ayudarnos a vivir rodeados de belleza».
Si mañana tuvieran que apostar por una categoría actualmente infravalorada, ¿cuál sería?
«Es difícil decirlo. El mercado funciona por ciclos y aquello que en otro momento estaba situado en la cima hoy puede rozar casi el anonimato. Podríamos asistir, por ejemplo, a un regreso de los Old Masters o del mobiliario antiguo. O bien a un auge del segmento de los memorabilia o, a más corto plazo, del arte generado mediante inteligencia artificial (aunque el riesgo de un nuevo caso Beeple siempre está presente). En cualquier caso, será fundamental mantenerse lo más flexibles y receptivos posible ante lo que suceda en el futuro, no solo para estar preparados, sino también para disponer de las herramientas necesarias para mirar hacia adelante».
