Más que una feria, Design Miami asume cada vez más los rasgos de un observatorio global: desde la inminente Seúl (31 de agosto-6 de septiembre) hasta París (20-25 de octubre) y Miami (1-6 de diciembre), con la etapa de verano en Aspen (en julio, en versión private view), hasta su debut en Dubái en 2027, mide la temperatura del collectible design en un momento en que la frontera con el arte se vuelve cada vez más porosa. Casi indistinguible. La próxima etapa, Seúl, es particularmente significativa: abre una tradición centenaria que se integra en la investigación contemporánea sobre los materiales, mientras nuevas geografías y nuevas formas de coleccionismo están redefiniendo los equilibrios internacionales. Hablamos de ello con Jennifer Roberts, CEO de Design Miami.
Design Miami nace como una plataforma dedicada al diseño coleccionable, pero hoy la frontera con el arte contemporáneo es cada vez más sutil. ¿Considera que esta distinción sigue teniendo sentido desde el punto de vista del mercado y del coleccionismo?
«La distinción sigue siendo importante, pero quizá no de la manera en que lo era antes. No considero el arte y el diseño como dos categorías contrapuestas, sino como dos formas diferentes de interpretar un objeto. En el diseño me interesa no solo quién lo realizó, sino también cómo fue realizado, con qué materiales y en diálogo con qué tradiciones arquitectónicas, culturales o artesanales. Incluso cuando un objeto es apartado de su uso cotidiano, continúa contando el contexto cultural y proyectual del que procede. Al mismo tiempo, en las últimas dos décadas las fronteras entre ambas disciplinas se han ido disolviendo progresivamente. El diseño ha entrado en las colecciones permanentes de los grandes museos, ha conquistado un papel central en las subastas internacionales y ya forma parte integrante de la dimensión cultural contemporánea. Cada vez con mayor frecuencia los artistas diseñan muebles, los diseñadores realizan obras de carácter escultórico y los coleccionistas construyen ambientes en los que arte y diseño dialogan sin jerarquías ni separaciones. Lo que más ha cambiado es la perspectiva de los coleccionistas».
¿De qué manera?
«Hace veinte años, su interés estaba a menudo orientado a definir las categorías. Hoy, en cambio, están mucho más interesados en las ideas, los materiales y el pensamiento proyectual que da forma a cada objeto. Se preguntan si un objeto tiene su propia coherencia, si cuenta una historia capaz de involucrarlos y si es algo con lo que desean vivir. En este sentido, la distinción entre arte y diseño se vuelve casi secundaria frente a la calidad del diálogo que el objeto consigue establecer con quien lo observa y lo habita».
Sigo el hilo del discurso sobre estos dos mundos tan afines: en los últimos dos años, el mercado del arte ha mostrado señales de desaceleración. ¿El collectible design está atravesando la misma fase o sigue dinámicas diferentes?
«A lo que estamos asistiendo no es a una disminución de la demanda, sino a un proceso de toma de decisiones más meditado. Los coleccionistas se toman más tiempo, hacen más preguntas y evalúan con mayor atención la calidad de la ejecución, la procedencia y las historias que acompañan a los objetos que compran. Lo considero una señal de un mercado que está madurando, no de un mercado en desaceleración. Además, observamos un interés constante hacia los diseñadores contemporáneos y las nuevas generaciones. El diseño histórico es, por definición, un recurso finito, pero hay otra dinámica en juego: los coleccionistas desean cada vez más formar parte de un ecosistema creativo vivo».
¿Y cómo se traduce esta necesidad?
«Quieren conocer a los diseñadores, comprender su proceso creativo y seguir su evolución a lo largo del tiempo. La relación de las personas con el diseño se ha vuelto mucho más personal. La pandemia llevó a muchos de nosotros a replantearnos la manera en que vivimos la casa y los objetos que nos acompañan cada día. Hoy los coleccionistas están menos interesados en crear interiores perfectamente filológicos y más inclinados a construir espacios que reflejen su propia individualidad y tengan un carácter auténticamente vivido. Es un cambio que continúa influyendo en el mercado de manera significativa».
Europa sigue siendo el lugar donde nació gran parte de la historia del diseño del siglo XX. ¿Qué papel desempeña hoy en el mercado internacional?
«Europa sigue siendo el punto de referencia histórico y cultural del mercado del collectible design. Gran parte del lenguaje que todavía hoy lo caracteriza —desde Jean-Michel Frank y Émile-Jacques Ruhlmann hasta Jean Royère y Jean Prouvé— nació dentro de un ecosistema único, formado por diseñadores, arquitectos, artesanos y manufacturas. París, en particular, sigue destacándose por la profundidad de sus competencias, de su cultura del coleccionismo y de su conocimiento histórico. Me gusta describir nuestra feria de París como la haute couture del diseño coleccionable. Allí se concentra un patrimonio excepcional de obras históricas, galerías altamente especializadas y coleccionistas con una larga tradición de estudio e investigación».
¿Y Miami, Seúl y Dubái?
«Miami es el lugar donde la experimentación contemporánea encuentra su expresión más dinámica. Son dos expresiones de una misma cultura del proyecto, con identidades complementarias más que en competencia. Lo más interesante hoy es que Europa ya no es el único polo de referencia. El diseño se ha convertido en un fenómeno auténticamente global. Seúl ha contribuido a llevar a la escena internacional la artesanía coreana y la vitalidad de su investigación contemporánea, mientras que Dubái nos permitirá explorar una región cuyas tradiciones materiales están finalmente entrando en el diálogo global sobre el diseño. Más que reducir el papel de Europa, creo que estos desarrollos confirman su centralidad. Europa sigue siendo un punto de referencia imprescindible, pero hoy esta centralidad se expresa a través de un intercambio más amplio y dinámico de ideas, diseñadores y coleccionistas».
A propósito de intercambios: ¿cómo están cambiando estos flujos (de coleccionistas y galerías) entre Asia, Europa y Estados Unidos?
«Hace veinte años la geografía del diseño coleccionable estaba mucho más concentrada. Design Miami nació entre Miami y Basilea; hoy nuestra plataforma comprende Miami Beach, París, Seúl y próximamente también Dubái. Para nosotros es fundamental que cada sede refleje su propio contexto cultural. No nos interesa simplemente replicar el mismo formato: cada sede debe nacer del diálogo con el lugar que la acoge. Seúl se desarrolló poniendo en valor a los diseñadores coreanos, las tradiciones artesanales y la escena contemporánea local, mientras que Dubái ofrecerá una nueva perspectiva, profundamente arraigada en la historia de la cultura material y de las tradiciones manufactureras de la región. Lo que observamos hoy es un auténtico intercambio global. Los coleccionistas asiáticos y de los países del Golfo miran con creciente interés al diseño europeo y estadounidense, mientras que las galerías occidentales están construyendo relaciones cada vez más sólidas con estas áreas del mundo».
La inminente etapa de Seúl llega en pleno auge de la cultura coreana en todos los sectores, desde el cine hasta la música y la moda. ¿De qué manera la “K-culture” está influyendo en el collectible design y en el interés de los coleccionistas internacionales?
«El diseño coreano es extraordinario desde hace tiempo; la verdadera novedad es que el resto del mundo finalmente le está dedicando la atención que siempre ha merecido. Uno de los aspectos más fascinantes del diseño coreano es la manera en que los diseñadores consiguen poner en diálogo tradiciones artesanales centenarias con un lenguaje contemporáneo e internacional. Técnicas como el trabajo del papel hanji, el trenzado de crin de caballo, la cerámica y el trabajo de la madera hunden sus raíces en un saber transmitido de generación en generación; y, sin embargo, los diseñadores que trabajan con estos materiales crean objetos plenamente contemporáneos. El momento no podría ser más favorable. El cine, la música y la moda ya han suscitado, a escala global, un fuerte interés por la artesanía y la cultura narrativa de Corea. El collectible design representa, por tanto, un paso siguiente natural para quienes desean profundizar en esta curiosidad».
¿Y es una tendencia destinada a perdurar?
«El valor del patrimonio artesanal que lo sustenta nace de generaciones de experiencia e investigación. Es precisamente esta continuidad la que le confiere una relevancia duradera en el panorama del coleccionismo».
Más allá de las peculiaridades geográficas: ¿cuáles son hoy las principales demandas de los coleccionistas? ¿Están observando una mayor atención a la investigación histórica, a los diseñadores emergentes o a temas como la sostenibilidad, la artesanía y la innovación en los materiales?
«Cada vez con mayor frecuencia, los coleccionistas buscan en los objetos una combinación de historia, investigación e innovación. El diseño histórico y la experimentación contemporánea ya no pertenecen a mundos separados. El mismo coleccionista que reconoce el rigor histórico y cultural de una pieza de Jean Royère o Jean Prouvé puede encontrar el mismo interés en el trabajo de un joven diseñador que explora nuevos materiales y lenguajes proyectuales. Lo que une estos intereses es una renovada atención por la artesanía: la huella de la mano, la intención que guía el gesto creativo y la historia que cada objeto lleva consigo. También la sostenibilidad se interpreta hoy de una manera más profunda, no solo en términos ambientales sino como búsqueda de longevidad: elegir menos objetos, mejor diseñados, realizados con cuidado y destinados a durar en el tiempo. Esto también ha transformado la manera en que se conciben los interiores. Hoy los coleccionistas ya no buscan necesariamente la coherencia de un único período histórico, sino que construyen ambientes en los que diferentes épocas, culturas y materiales entran en diálogo. La casa se convierte así no en una simple declaración de estilo, sino en el retrato de la sensibilidad, la historia y la personalidad de quien la habita».
En los últimos años, museos y fundaciones han reforzado su interés por el diseño coleccionable. ¿Cuánto pesa hoy el diálogo con las instituciones frente al mercado privado en la estrategia de Design Miami?
«No considero las instituciones y el mercado privado como realidades en competencia: forman parte del mismo ecosistema. Museos y fundaciones han desempeñado un papel fundamental en el reconocimiento del diseño coleccionable como una disciplina cultural autónoma, contribuyendo a profundizar su estudio y a ampliar su comprensión entre el gran público. Los museos custodian las obras y restituyen su contexto histórico; las galerías apoyan el trabajo de los diseñadores; los coleccionistas llevan los objetos a sus hogares, permitiéndoles continuar viviendo y asumir nuevos significados. Nuestra tarea es poner en relación estas comunidades y acercar nuevos públicos al diseño. Con Design Miami, nuestro papel no se limita a la dimensión comercial de la feria. Queremos crear una plataforma cultural en la que diseñadores, galerías, coleccionistas, curadores e instituciones puedan encontrarse, compartir investigaciones y generar nuevas conversaciones en torno al diseño».
Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com
