Hauser & Wirth abrirá el 3 de octubre de 2026 una nueva sede en Palo Alto, la primera galería permanente del grupo en Silicon Valley. La inauguración estará marcada por Calder | O’Keeffe, una exposición dedicada a la amistad y a las afinidades artísticas entre Alexander Calder y Georgia O’Keeffe, dos figuras que contribuyeron de manera decisiva a la construcción del modernismo estadounidense. Curada por Alexis Lowry, Senior Director of Curatorial de Hauser & Wirth, la muestra podrá visitarse hasta el 24 de enero de 2027 y fue desarrollada en estrecha colaboración con la Calder Foundation, con el aporte científico del Georgia O’Keeffe Museum.
La nueva sede en Palo Alto
La nueva sede ocupa un antiguo edificio de correos de aproximadamente un siglo de antigüedad, ubicado en el 201–225 de Hamilton Avenue, a poca distancia de la Universidad de Stanford. El espacio cuenta con unos 241 metros cuadrados destinados a exposiciones y una librería concebida como un lugar para encuentros, actividades educativas e iniciativas editoriales. La sede de Palo Alto se sumará a las de Downtown Los Ángeles y West Hollywood, reforzando la presencia de la galería en el Área de la Bahía, tras el cierre de la sede local de Pace Gallery en 2022.
«El norte de California cuenta con una comunidad de coleccionistas profundamente comprometida y con instituciones artísticas de primer nivel», declaró Marc Payot, presidente de la galería, al presentar esta apertura como una expansión natural hacia un área estratégica desde el punto de vista cultural y del coleccionismo. «El Área de la Bahía es un lugar dinámico, abierto al Pacífico, con una larga tradición de mecenazgo consciente. Estamos orgullosos de construir aquí un nuevo espacio, un centro de energía para nuestros artistas y para la comunidad».
Abrir con Calder y O’Keeffe significa presentar al público un fragmento reconocible del imaginario estadounidense del siglo XX: por un lado, los paisajes, huesos, flores y horizontes de Nuevo México transformados por O’Keeffe en formas esenciales; por otro, las esculturas móviles de Calder, en las que la gravedad, el equilibrio y el movimiento se convierten en elementos de una nueva concepción del espacio. Dos lenguajes diferentes, unidos por una amistad profunda y duradera, además de la voluntad de traducir en formas las energías invisibles que atraviesan la naturaleza.
La exposición reúne pinturas, esculturas, joyas y materiales de archivo, estableciendo relaciones que ponen de relieve las afinidades y las diferencias entre las prácticas de ambos artistas. O’Keeffe destilaba el paisaje y los elementos orgánicos del suroeste estadounidense en composiciones de gran concentración formal. Calder, en cambio, confiaba sus obras a la acción del aire, la gravedad y el tiempo, creando estructuras en permanente transformación.
Calder y O’Keeffe, una amistad hecha de obras
Los numerosos testimonios que permanecen de la relación entre ambos artistas cuentan una cercanía construida a lo largo de décadas y basada en una admiración mutua. Fotografías, postales y algunos objetos pertenecientes a su vida privada permiten reconstruir una relación que iba más allá del vínculo profesional. Entre esos objetos se encuentra el broche de latón que Calder realizó para O’Keeffe entre finales de la década de 1930 y comienzos de la de 1940, combinando las iniciales de su apellido en una forma vertical: la K suspendida de la O.
O’Keeffe prefería llevarlo de esta manera, porque el monograma perdía su legibilidad inmediata y adquiría el aspecto de una forma abstracta y orgánica. Las líneas curvas del broche parecían evocar tanto el dinamismo de las esculturas de Calder como las anatomías vegetales y minerales presentes en su pintura. Fotografiada en varias ocasiones con esa joya, O’Keeffe terminó incorporándola a la construcción de su imagen pública, como una especie de firma escultórica. A lo largo de su vida, Calder produjo más de 1.800 joyas, muchas de ellas realizadas personalmente, doblando, martillando y modelando latón, plata, acero y materiales encontrados. Muchas de ellas no estaban destinadas al mercado, sino que eran obsequiadas a amigos, familiares y colegas artistas.
Aún más significativa es la presencia, en la casa de O’Keeffe en Abiquiú, Nuevo México, de uno de los mobiles realizado por Calder en 1942. La obra pasó a formar parte integral del ambiente doméstico y aparece en numerosas fotografías de la artista, entre ellas un célebre retrato de Dan Budnick. Era una de las pocas obras de otros autores que O’Keeffe había decidido conservar en su hogar, cuidadosamente organizado como una extensión de su identidad y de su manera de mirar el paisaje.
La obra —y la poética de Calder— pasaban así a formar parte del vocabulario visual de la casa: una estructura ligera y negra que se movía frente a las paredes claras y los amplios ventanales abiertos al desierto. O’Keeffe reconoció en las formas de Calder algo afín a las cavidades de los huesos pélvicos que había pintado, observando que encontraba en sus obras sus propios «pelvis bone holes». La afirmación revela un reconocimiento profundo: ambos trabajaban en torno al vacío como esencia perceptible del espacio.
Los dos volvieron a encontrarse el 20 de octubre de 1976, durante una cena organizada en honor de Calder en el Whitney Museum of American Art, pocas semanas antes de la muerte del escultor. Su relación emerge así a través de gestos y objetos que demuestran cómo las afinidades artísticas pueden sedimentarse en los espacios de la vida privada.
De Europa a la construcción de un arte estadounidense
La relación entre Calder y O’Keeffe remite a una cuestión más amplia: la construcción de un lenguaje artístico estadounidense autónomo respecto de los modelos europeos. A comienzos del siglo XX, viajar a Europa y entrar en contacto con las vanguardias todavía se consideraba un paso fundamental en la formación de los artistas estadounidenses. Sin embargo, con la consolidación de Estados Unidos como potencia internacional, comenzó a surgir la necesidad de desarrollar estilos independientes, vinculados a los paisajes, las experiencias y las formas de expresión del país.
Este proceso ocupó un lugar central en American Legends: From Calder to O’Keeffe, la exposición presentada por el Whitney Museum of American Art entre el 22 de diciembre de 2012 y el 29 de junio de 2014. Curada por Barbara Haskell, la muestra reunía obras de 13 artistas, entre ellos, además de Calder y O’Keeffe, Edward Hopper, Stuart Davis, Jacob Lawrence, Alice Neel y Jasper Johns, para recorrer los distintos caminos a través de los cuales el arte estadounidense del siglo XX había redefinido su relación con Europa, con la identidad nacional y con los propios límites de la obra.
En la primera mitad del siglo, el realismo y el modernismo constituyeron dos de las principales respuestas a esta búsqueda de autonomía. El primero dirigía su mirada hacia la sociedad, la ciudad y la vida cotidiana estadounidense; el segundo reelaboraba la abstracción europea a través de formas y temas arraigados en el nuevo continente. O’Keeffe y Calder pertenecen, de maneras diferentes, a esta segunda trayectoria, aunque sin agotarla.
O’Keeffe construyó su identidad artística a través de una relación cada vez más intensa con el territorio estadounidense. Los paisajes de Texas y luego de Nuevo México, los cráneos de animales, las rocas, las puertas y las extensiones desérticas se convirtieron en el punto de partida de una pintura que oscilaba entre la representación reconocible y la abstracción. Su Estados Unidos no era descrito de manera realista, sino reducido a formas capaces de condensar una percepción física, emocional y mental del paisaje.
Calder, en cambio, mantuvo una relación más constante con Europa, donde residió durante largos períodos y desarrolló vínculos con artistas como Joan Miró y Piet Mondrian. Sin embargo, su lenguaje permaneció profundamente asociado a una sensibilidad estadounidense por la invención, el movimiento, la experimentación técnica y la apertura del espacio. Sus mobiles transformaban la escultura de un objeto estable y monumental en un sistema inestable, sensible al entorno y a sus variaciones.
En 2022, la Fondation Beyeler de Riehen, en Suiza, ya había reunido sus obras en la última sala de la retrospectiva dedicada a O’Keeffe. Allí, las obras tardías de la pintora dialogaban con Black Mobile with Hole, de 1954. La comparación subrayaba esta diferencia biográfica —el vínculo constante de Calder con Europa, frente a una trayectoria eminentemente estadounidense de O’Keeffe—, pero también una adhesión compartida a los «horizontes abiertos» de Estados Unidos.
La exposición de Palo Alto se inscribe, por lo tanto, en una línea de investigación que busca releer el modernismo no solo a través de movimientos artísticos ya historizados y cronologías definidas, sino también mediante amistades, intercambios y formas de reconocimiento mutuo.
Una nueva sede para una parte del imaginario nacional
Para Hauser & Wirth, la exposición inaugura una nueva etapa de su presencia en California. La galería, fundada en Zúrich en 1992, evoca explícitamente con este proyecto su primera exposición pública, que ponía en diálogo los mobiles y las gouaches de Calder con pinturas y esculturas de Miró. La sede de Palo Alto abre así recuperando una fórmula basada en el diálogo entre artistas, pero trasladándola esta vez al interior de la historia cultural de Estados Unidos. Así, incluso antes de presentar a dos maestros del siglo XX, la muestra pone en escena una idea de Estados Unidos amplia, cambiante y atravesada por energías latentes.
La elección resulta particularmente significativa en un lugar como Silicon Valley, a menudo representado a través de las categorías de la innovación tecnológica, la economía digital y la proyección hacia el futuro. La inauguración estará acompañada por una jornada de actividades públicas, confirmando la intención de no limitar la sede a una función comercial, sino de integrarla en el contexto cultural local.
