Se fue el 14 de agosto de 2026, a los 86 años, la artista estadounidense Mary Heilmann, una de las figuras más singulares de la pintura estadounidense de la segunda mitad del siglo XX. Su muerte, ocurrida en un hospital de Riverhead, en el estado de Nueva York, en Long Island, fue confirmada por su representante Liane Thatcher, quien declaró que el fallecimiento se produjo por complicaciones relacionadas con una caída reciente. Se trata de una artista que durante mucho tiempo ocupó una posición lateral respecto de las grandes narrativas del arte estadounidense, hasta convertirse, sobre todo en las últimas décadas, en un referente para generaciones más jóvenes.

Quién era Mary Heilmann

Nacida en San Francisco en 1940, Heilmann no llegó a la pintura siguiendo una trayectoria lineal. Estudió literatura en la University of California, Santa Barbara, y posteriormente cerámica y escultura en la University of California, Berkeley. En 1968 se trasladó a Nueva York, entrando en contacto con el ambiente artístico de aquellos años y comenzando a recorrer un camino menos disciplinado, en el que la geometría convive con la irregularidad, el rigor con el juego.

La pintura llegó, por tanto, después de su formación escultórica y cerámica, en un paso que contribuyó a hacer difícil su ubicación dentro de una sola corriente. Su trabajo absorbe, en efecto, la lección de la abstracción geométrica y del Minimalismo, pero la desvía a través de la cultura de California en la que había crecido: la Beat Generation, la música, el paisaje y una cierta idea de libertad formal entran en sus obras sin convertirse nunca simplemente en citas. El color adquiere así un papel estructural, mientras que las formas geométricas pierden la rigidez que cabría esperar de una pintura minimalista.

Esta posición ambigua, precisamente porque difícilmente podía reducirse a una definición unívoca, fue durante mucho tiempo también una forma de marginalidad. Heilmann misma, al recordar su carrera, se definió como una «underdog», subrayando lo difícil que había sido obtener un reconocimiento comparable al reservado a muchos colegas hombres de su generación. La primera gran retrospectiva museística llegó recién en 2007, cuando la artista ya tenía 67 años.

El éxito, por tanto, no fue el resultado de una consagración temprana, sino de un redescubrimiento progresivo que modificaría radicalmente la percepción de su trabajo.

A partir de ese momento, su presencia en las instituciones internacionales se hizo cada vez más significativa. En 2016, la Whitechapel Gallery de Londres le dedicó una retrospectiva, mientras que sus obras ingresaron en las colecciones de museos como el Museum of Modern Art y el Whitney Museum of American Art de Nueva York, y el Museum Ludwig de Colonia. También el mercado y las galerías acompañaron esta relectura crítica, devolviendo al centro una producción que durante décadas había sido observada a través de categorías demasiado rígidas.

En los últimos años, Heilmann continuó trabajando con la misma libertad que había caracterizado su investigación desde sus comienzos: en 2025, por ejemplo, el Whitney Museum le dedicó Mary Heilmann: Long Line, un proyecto site-specific que ponía en relación su pintura con la arquitectura del museo y con el paisaje urbano de Nueva York. En el centro de la instalación se encontraba una gran versión pintada directamente sobre la pared de Long Line, obra nacida en 2020 al observar las olas del Atlántico durante sus paseos cotidianos por la costa de Long Island. Alrededor, las célebres sillas de colores de la artista transformaban el espacio expositivo en un lugar para habitar, invitando a los visitantes a sentarse y compartir el mismo ambiente.

Color, forma, objeto y espacio podían entrar en relación, produciendo una situación más que una simple imagen. También sus sillas, aparentemente elementos funcionales, se convierten así en parte del lenguaje artístico y prolongan en el espacio esa combinación de rigor y ligereza que atraviesa toda su producción. En el Whitney, las Monochrome Chairs y las April Chairs estaban dispuestas junto a la gran pintura mural, creando un ambiente en el que mirar y permanecer se convertían en gestos inseparables.

Heilmann pertenece a una generación de mujeres que trabajaron dentro de un sistema artístico construido en gran medida en torno a protagonistas masculinos y que, en muchos casos, fueron reconocidas plenamente solo décadas después. Con Mary Heilmann desaparece, por tanto, una figura difícil de encasillar y, precisamente por eso, todavía capaz de poner en discusión la manera en que contamos la abstracción estadounidense.

Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com