Hacia la Bienal de Venecia es un ciclo de entrevistas con artistas y curadores latinoamericanos que presentarán sus proyectos en la 61ª edición de la Bienal de Venecia. A través de estas conversaciones, analizamos el origen y el desarrollo de las propuestas, así como los desafíos conceptuales y técnicos que atraviesan en el proceso de producción y presentación. El ciclo también investiga las dinámicas de selección y financiación que hacen posible la participación nacional en la Bienal, con el objetivo de estudiar las especificidades de cada pabellón y las políticas de apoyo, estatales y/o privadas, que sostienen estas representaciones. De este modo, se propone una cartografía crítica de los distintos modelos institucionales latinoamericanos y de las condiciones estructurales que configuran su presencia en el contexto internacional.
Entrando de lleno en la conversación, ¿podrían contarnos en qué consiste el proyecto que presentan este año en la Bienal de Venecia, adelantando algo de su materialidad? ¿Cuál es su origen y cuáles los principales desafíos conceptuales y técnicos en su desarrollo?
Stefania Pieralice: Más de la mitad de la población guatemalteca está constituida por pueblos indígenas, descendientes directos de las comunidades mayas, quienes han preservado el universo de su cultura ancestral: prácticas, rituales y hábitos que se repiten. En estas comunidades, la mujer suele ser portadora de una historia milenaria hecha de memoria colectiva y supervivencia identitaria. La forma de sentir y habitar el mundo de los pueblos originarios, en contraste con los modelos occidentales, da lugar a una concepción relacional de la vida, basada en los vínculos entre vivos y muertos, entre seres humanos y naturaleza, entre presente y pasado.
En esta dimensión cósmica, atemporal y sagrada, el hogar es fuente de vida en la complementariedad de elementos femeninos —las piedras del fogón— y masculinos —el fuego—, centro de creación del cosmos. Las Invisibles, título de la exposición, son aquellas mujeres que entregan su existencia a la comunidad: desde el amanecer hasta el atardecer trabajan el maíz —origen de todo y símbolo identitario— con molino, piedra y comal de arcilla. Este último, utilizado para sostener a la familia, se convierte en memoria de silencios, heridas y afectos, narrando la biografía de cada una. El gesto repetido de las manos sobre la masa, junto al contacto con el fuego, borra a menudo las huellas digitales, llevándose pasado y futuro. Es en ese gesto silencioso, lleno de generosidad y esperanza, donde resuena In Minor Keys: un sonido tenue que habla de un heroísmo humilde.
El proyecto Las Invisibles propone una lectura profundamente ligada a las cosmovisiones mayas y al rol de las mujeres como portadoras de memoria y resistencia. ¿Podrían profundizar en las implicaciones de presentar, en el marco de la Bienal de Venecia, un proyecto que se sitúa en tensión con paradigmas culturales históricamente dominantes en Europa? En ese sentido, ¿cómo piensan la reivindicación de saberes situados dentro de un contexto global como el de la Bienal? ¿Existe el riesgo de que esas epistemologías se diluyan o sean leídas desde una clave exotizante, reduciendo la complejidad de la escena artística de Guatemala?
S.P: El proyecto se plantea deliberadamente en contraste con paradigmas occidentales basados en lógicas de poder. Si pensamos en Hombres de maíz de Miguel Ángel Asturias, la narrativa se centra en el mito del Popol Vuh según el cual los hombres están hechos de maíz, planta sagrada. Más allá de su dimensión mítica, el relato plantea una oposición entre el pueblo originario y el conquistador europeo. El primero encarna valores ancestrales; el segundo, su aniquilación.
Es necesario “descolonizar” métodos y perspectivas que tienden a exotizar estos saberes. Como decía Gramsci, todos los hombres son filósofos: el conocimiento indígena puede contribuir a replantear principios universales hacia una sociedad más humana.
¿Cómo creen que dialoga, si es que lo hace, el proyecto que presentan en el pabellón con los lineamientos curatoriales trazados por Koyo Kouoh para la exposición general In Minor Keys? ¿Encuentran puntos de convergencia conceptual o tensiones productivas entre ambas propuestas?8hy
S.P: In Minor Keys invita a escuchar tonalidades sutiles, vinculadas a la tierra, la vida y las frecuencias del alma. En ese sentido, el proyecto dialoga con una visión que conecta comunidad y cosmos: estrellas, tierra, maíz. No se trata de animismo, sino de una forma de escucha profunda. La tradición del trabajo del maíz, asumida por las mujeres, se convierte en un gesto cotidiano que adquiere un valor ético, casi heroico.
En términos históricos, ¿cómo ha sido la presencia de Guatemala en la Bienal de Venecia? ¿Se trata de una primera participación o ha habido antecedentes? ¿El pabellón ha mantenido una sede constante o ha cambiado de ubicación con el tiempo? ¿Qué implica esta participación para la visibilidad del arte guatemalteco en el contexto internacional?
S.P: El Pabellón cuenta con varias participaciones en la Bienal de Venecia de Arte y ha cambiado de sede en distintas ocasiones: desde Officina delle Zattere en Dorsoduro (edición 2015), pasando por Palazzo Albrizzi Capello en Cannaregio (ediciones 2017 y 2019), hasta el espacio SPUMA en la zona de Giudecca (edición 2022), y ahora esta muestra de 2026 en Berlendis, también en Cannaregio. También hubo una participación en la Bienal de Venecia de Arquitectura, nuevamente en el Palazzo Albrizzi Capello (edición 2018).
Llevar el arte guatemalteco a un contexto internacional significa preservar la memoria de narrativas íntimas que históricamente han corrido el riesgo de ser borradas o silenciadas; es abrir un camino de reflexión y análisis.
¿Cómo se define el proceso de selección del proyecto y de los artistas que representan al país en la Bienal? ¿Se trata de una convocatoria abierta, una invitación directa u otro modelo?
S.P: La selección surge de una estrecha colaboración entre los curadores y las autoridades gubernamentales y ministeriales. Se parte siempre de artistas autóctonos que puedan representar mejor la poética elegida y luego, en una perspectiva “polifónica”, abierta al encuentro y al diálogo, se da la posibilidad de una relectura —sobre ese mismo tema— a artistas internacionales que han desarrollado con el tiempo un vínculo profundo con Guatemala. Es importante dejar espacio a reflexiones y profundizaciones sociales, partiendo del lugar, para luego llegar a una interpretación “transnacional” con el fin de abrir caminos hacia redes de valor colectivas y comunitarias. Vivir en un contexto internacional socialmente marcado por separaciones y diferencias hace que trabajar sobre la heterogeneidad de lenguajes y visiones que se interpenetran sea un mensaje absolutamente relevante
¿Qué tipo de apoyos, estatales, privados o mixtos, hacen posible esta participación? ¿Cómo se articula el financiamiento y la producción del pabellón?
S.P: El apoyo se basa en patrocinios de entidades públicas y privadas, junto con el respaldo del gobierno que, en cada edición, está siempre particularmente cercano a las necesidades del Pabellón.
¿Cuáles son tus expectativas en relación con la participación en la Bienal de Venecia y cuáles sus proyectos futuros?
S.P: Las expectativas quitan en toda experiencia un entusiasmo genuino y puro en los gestos y en las acciones; solo puedo decir que lo que hacemos, a través del arte, se nutre del tiempo de la espera y de la esperanza en una superación de esta realidad.
La pregunta sobre los proyectos futuros, personalmente, siempre me hace sonreír: Rilke dice que la vida se resume en la imagen de la lluvia intensa en primavera, donde el final y el inicio se encuentran, ya que cada momento de intensa plenitud tiene siempre la sombra del final. Por eso no soy capaz de plantearme una proyección en esta vida.
Guatemala
‘Las Invisibles’
Comisariado: Liwy del Carmen Immacolata Grazioso Sierra, Ministro de Cultura y Deportes
Curadurías: Stefania Pieralice, Elsie Wunderlich
Exponen: ARKEO, Luana Bottallo, Jorge Chavarría, Manuel Navichoc, Ana Lorena Núñez, SOY artistic group, Elsie Wunderlich
Sede: Spazio Berlendis, Cannaregio 6301
Jorge Chavarría es un artista y fotógrafo. Nacido en Guatemala en 1978, su trabajo explora temas como el género, la cultura, la identidad, la naturaleza y los fenómenos sociales. Su práctica se sitúa en la intersección entre fotografía documental, diseño y arte contemporáneo. Estudió ingeniería en sistemas en la Universidad de San Carlos de Guatemala y es un fotógrafo autodidacta especializado en procesos analógicos de cuarto oscuro. Su trabajo ha sido expuesto en las principales galerías y museos de Guatemala, así como en galerías y festivales internacionales en países como Japón, Francia, El Salvador, Estados Unidos, Puerto Rico, Inglaterra y España. En los últimos años, su producción artística se ha centrado en el uso de procesos fotográficos del siglo XIX, entre ellos el wet plate collodion, la impresión en gelatina de plata, la albúmina, la cianotipia, la impresión al carbón, los kalitipos, la fotoincisión (fotograbado), la impresión salada y el daguerrotipo. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: 2025 — El peso de lo frágil, Sol del Río, noviembre; 2023 — El hoy es pasado… el mañana un esbozo, Museo Ixchel, marzo; 2023 — Los Archivos, GuestHouse, enero; 2021 — Quimeras y la necesidad de desaparecer, Sol del Río, octubre; 2018 — Sinergia, Museo Ixchel, mayo; 2016 — Metapaisajes, Trama; 2011 — Nosotros, Festival Foto30, Cantón Exposición, Fundación G&T, septiembre; 2011 — Lucha diaria, Festival ESFoto 11, Centro Cultural de la Embajada de México, El Salvador, septiembre. Entre las exposiciones colectivas: 2022 — Cajal, una visión artística, Zaragoza, España; 2021–2022 — Daguerrotipo contemporáneo, muestra itinerante en América Latina; 2019–2025 — Juannio; 2021 — Fractálisis, La Nueva Fábrica, Antigua Guatemala; 2017 — Guatemala, From 33,000 KM, Santa Barbara Museum, California, Estados Unidos; 2014 — Renaissance of Photography, Getty Images Museum, Londres, septiembre; 2014 — Photo Annual Awards, República Checa, junio; 2014 — XIX Bienal de Arte Paiz, CCE Guatemala, junio; 2010 — Festival Guatephoto, Museo de Arte Moderno de Guatemala.
Ana Lorena Núñe nacida en 1971 en Guatemala, trabaja en Ciudad de Guatemala y es una artista visual cuyo trabajo explora la memoria, el cuerpo femenino y los procesos interiores que moldean la experiencia vivida de las mujeres. Su práctica combina fotografía, dibujo, collage, técnicas digitales y procedimientos manuales como bordado y ensamblaje, dando lugar a un lenguaje visual en el que convergen la dimensión íntima y simbólica. Desde hace dieciocho años trabaja con la misma modelo, a quien comenzó a fotografiar a los cuatro años; su presencia funciona como un archivo vivo que encarna transformación, crecimiento y múltiples narrativas femeninas. Entre sus exposiciones más recientes se destaca una residencia artística de tres meses en Londres (2025), culminada con la presentación de la serie Life in a Bottle – Soda Pop 25 en el Karma Sanctum Soho Hotel, y la muestra Interpretaciones en el Museo Nacional de Arte de Guatemala (MUNAG) en 2024. Ha participado en exposiciones colectivas en Guatemala, El Salvador, Honduras, Costa Rica, Estados Unidos, Inglaterra, Francia y Argentina. En 2022 recibió el Premio Manuel Belgrano en la V Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Argentina, reconocimiento instituido por primera vez para premiar la obra más significativa de la bienal. También ha participado en proyectos como SUMARTE en el Museo MARTE (El Salvador) y en la iniciativa Arte en las Calles 2025 en Guatemala. Sus obras forman parte de colecciones privadas en Guatemala, Estados Unidos, Costa Rica, Inglaterra y Guinea Ecuatorial, así como de colecciones institucionales, entre ellas Banco G&T Continental (Guatemala), Museo UNIS Rozas-Botrán (Guatemala) y la Colección Benetton – Imago Mundi (Italia). El trabajo de Núñez ha sido publicado en Ventanas del Tiempo (2019–2022), International Contemporary Artists Vol. IV (2012) y Memory and Timeless Avant-Garde (Colección Benetton, 2016). Su práctica artística busca hacer visibles narrativas silenciosas y revelar la identidad femenina como un proceso en constante transformación.
ARKEO es un amante del arte y con formación en arquitectura y arte rupestre, tras una destacada experiencia en el ámbito gerencial, el artista encuentra su “vocación creativa” en la escultura, dando vida a ARKEO. Objets trouvés y materiales reciclados, unidos siguiendo formas cambiantes y simbólicas, buscan expresar en la obra una sensibilidad magnética que invita al observador a buscar su “alma”. Sus esculturas nacen de visiones oníricas que, evocando el pasado, proponen acompañarnos hacia el futuro. Desde 2015, las obras de ARKEO se han exhibido en Italia y en el extranjero. Entre sus principales exposiciones destacan: Bienal Internacional de Artes de Roma – Fundación Amedeo Modigliani – Primer Premio de escultura 2025; “Simbiosis” en Future Gallery (Maastricht); “Dall’io al perturbante” en el Museo La Quadreria, Palazzo Rossi Marsili (Bolonia); Galleria dei Miracoli (Roma); Espace Carte Blanche (Marsella); Basílica Sant’Ambrogio (Milán); Pintura Mural de Alarcón (Cuenca); “Memorie del Futuro” (Palazzo Isolani, Bolonia); Formentera (España); y la Trienal de Artes Visuales de Roma.
Luana Bottallo originaria de Turín y residente en Piamonte a orillas del Lago de Orta, convierte el arte y la literatura en refugio cotidiano, entrelazando gesto matérico y palabra poética. Su formación evoluciona desde bases técnicas hacia una búsqueda interior que integra neurociencias —neurogénesis, percepción sensorial— con historia del arte, haciendo visible lo invisible humano (cuerpo, mente, emociones, espíritu). El reciclaje y la descontextualización de materiales se transforman en “alquimia”, una transmutación de desecho a tesoro, paralela a la redención humana. Desde 2023 expone en galerías en Milán y en ciudades como Londres, Berlín, París y Nueva York. El blanco, su lenguaje predominante, evoca espacios etéreos que invitan a una catarsis compartida. Entre sus principales reconocimientos: Premio Internacional de Arte Contemporáneo (París, 2024); Premio Internacional de Arte (Berlín, 2025); y Premio Artista del Reino Unido, Top London 10 (2025).
Manuel Navichoc nacido el 20 de mayo de 1992 en San Pedro La Laguna, Sololá (Guatemala), Manuel Navichoc se formó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla”, donde se graduó en 2011. Continuó sus estudios en la Universidad de San Carlos de Guatemala, obteniendo su licenciatura en Arte en 2016. Ha trabajado como docente en la ENAP y desde 2018 es instructor en la Escuela Integral de Arte (EIA) en Ciudad de Guatemala. Ha participado en más de 90 exposiciones entre 2007 y 2025. Entre sus proyectos recientes destacan Around the Fire (Museo Ixchel, 2025), Shared Roots (Honduras, 2025) y All That Calls to Us (Panamá, 2021). Ha recibido numerosos reconocimientos, entre ellos el Gran Premio en Art in May (2024) y el título de Artista del Año (2023).
SOY artistic group es un colectivo de tres artistas con sede en Zhejiang, China. Su trabajo surge del contacto directo con comunidades mayas en Guatemala, tras largas estancias en el territorio. Su investigación aborda la emancipación de la mujer frente a tradiciones culturales opresivas, explorando la libertad femenina y denunciando la violencia de género. Han realizado numerosas exposiciones en Italia y a nivel internacional, incluyendo ciudades como Moscú, París, Oslo, Bruselas, Viena, Nueva York, Londres, Budapest, Baden-Baden, Miami y Roma.
