Para comprender realmente la figura de Koyo Kouoh hay que mirar las relaciones con los artistas. De la curadora suizo-camerunesa, fallecida inesperadamente en mayo de 2025, pocos meses después de haber sido nombrada al frente de la 61ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, queda un legado cultural y afectivo que aparece constantemente en homenajes, dedicatorias y celebraciones de los artistas que hoy habitan esa Bienal construida por ella con una lúcida coherencia curatorial. La muestra logra concretarse gracias al equipo curatorial integrado por Gabe Beckhurst Feijoo, Marie Helene Pereira, Rasha Salti, el Jefe editor Siddhartha Mitter y la asistente de investigación Rory Tsapayi, quienes continuaron el proyecto respetando su estructura original.
Así se inaugura en Venecia ‘In Minor Keys’, y la figura de la curadora parece convertirse ella misma en una de esas presencias fantasmales que había teorizado. Hay quienes quieren colonizar la luna y quienes quieren bailar a su alrededor, parafraseando las palabras de James Baldwin retomadas por Kouoh. Una frase casi profética que describe la distancia entre las lógicas de poder que dominaron la escena mediática en los últimos meses y las obras de la exposición central, atravesadas por historias de resistencia, pertenencia y diáspora: relatos a los que hay que acercar el oído para captar sus frecuencias, y la mirada para descubrir sus detalles.
Bienal Arte 2026: la muestra en los Giardini
Con una delicadeza casi doméstica se abre el Pabellón Central de los Giardini, donde el artista nigeriano Otobong Nkanga reviste las cuatro columnas de la fachada con ladrillos de producción local, jarrones de vidrio de Murano y plantas trepadoras. Más allá de la entrada, recibe al visitante el ave totémica de Big Chief Demond, figura central de la cultura de los Black Masking Indians de Nueva Orleans. Una máscara que lleva bordadas historias trágicas, como la trata de esclavos africanos deportados hacia América. Es la carta de presentación de una parte de la muestra que sigue un recorrido no lineal y adquiere una nueva dimensión gracias a la reciente renovación arquitectónica realizada por el estudio Labics. En su interior, varios proyectos celebran el sentido de comunidad y traen a Venecia historias arraigadas en contextos lejanos, comenzando por las esculturas de Cecilia Vicuña Yui, una especie de “parlamento” de animales que se gira colectivamente hacia el espectador, observándolo.
En la sala central aparece el primer homenaje a Koyo Kouoh, retratada en una acuarela monumental por Maria Magdalena Campos-Pons junto a la Premio Nobel de Literatura Toni Morrison, una celebración de dos mujeres negras que fueron pioneras en alcanzar importantes reconocimientos internacionales. En lo alto, en un rincón, una caja emite sonidos delicados, casi completamente tapados por el bullicio de la preview.
Las historias de resistencia llegan desde distintas partes del mundo. Como la de la artista palestina Vera Tamari, docente y fundadora de instituciones comunitarias en Ramallah, que explora las posibilidades de la arcilla en relación con la fotografía y la pintura. O la de Edouard Duval-Carrié, quien da forma a la persecución de Haití y al doloroso éxodo de su pueblo tras el golpe de Estado de 1991, del que fue testigo directo. A través de esculturas, pinturas y una columna metálica, reconstruye la dignidad de una historia atravesada por la cultura, la espiritualidad y las divinidades lwa del vodou haitiano.
También resulta especialmente interesante la presencia asiática, con artistas queer como BuBu de La Madeleine, performer nacide en Osaka en 1961, cuya trayectoria incluye experiencias como trabajador sexual, drag queen/king y asistente familiar. A través de la figura de la sirena y sus escamas, aborda una enfermedad dermatológica que padece. Sus obras conforman un universo onírico que combina dibujo e instalación y encarna una existencia más allá de las convenciones. Su práctica dialoga con la de Yoshiko Shimada, artista feminista japonesa con quien colaboró a fines de los años noventa. Censurada en Japón desde comienzos de los 2000, Shimada lleva a la Bienal una práctica disidente mediante pinturas que reinterpretan desde el feminismo la iconografía oficial del Estado y fotografías de performances atravesadas por los colores intensos de la lucha de género.
El feminismo también atraviesa la historia de la irlandesa Alice Maher, activista que contribuyó a la abolición de la prohibición del aborto en su país. En la Bienal presenta ‘The Sibyls’, una serie de dibujos de gran formato donde figuras mitológicas femeninas se sientan sobre enormes masas de cabello que dominan la composición. Temas y prácticas dialogan entre salas, y la presencia del cabello como elemento identitario y gesto político aparece también en el trabajo de Adebunmi Gbadebo, quien modela arcilla incorporando dreadlocks como símbolo de resistencia histórica.
Particularmente potente es el proyecto de la artista keniana Wangechi Mutu, que en una sala evoca símbolos ancestrales del poder femenino mediante ‘MothersMound’, escultura que representa el vientre materno; ‘Sweeper’, instalación cinética donde mechones de cabello se mueven circularmente sumergiéndose en una mezcla de tierra y café de olor penetrante; además de proyecciones y sonidos que convierten las obras en un único entorno inmersivo.
Las intervenciones también se expanden hacia los espacios exteriores y adquieren una fuerte dimensión política. En la entrada de los Giardini, la Biglietteria Scarpa alberga cuatro telas con los colores de Palestina, recordando su ausencia en las Participaciones Nacionales. Se trata de la obra del colectivo fierce pussy, titulada ‘we are here’, que en el ingreso al Arsenale cubre las paredes del corredor con afiches de bienvenida dirigidos a personas trans y queer, afirmando que nadie queda excluido.
In Minor Keys: la muestra en el Arsenale
En términos generales, la sección de los Giardini transcurre sin grandes sorpresas, con lenguajes que remiten a las últimas ediciones de la Bienal y, en particular, a la curada por Adriano Pedrosa en 2024, Stranieri Ovunque: esculturas en madera y terracota, tapices, textiles, alfombras, objets trouvés, dibujos y pinturas que requieren, en su mayoría, una contemplación frontal y convencional.
Es en el Arsenale donde las minor keys despliegan toda su potencia y se alinean plenamente con la premisa curatorial: “la propuesta es una experiencia sensorial, no didáctica”, se lee en la introducción.
Un ejemplo es la instalación ‘That Which Evaporate All Around Us’ de Michael Joo, una escultura reticular sobre la que descansan placas de materiales fósiles que, mediante un sistema específico, emiten vibraciones perceptibles bajo la piel. También el trabajo de Carsten Höller, que con ‘Smell of my Father’ y ‘Smell of my Mother’ recrea sintéticamente el olor de la ropa de sus padres, propagándolo en el espacio entre dos bancos.
Los temas abordados en la primera parte —memoria, pertenencia y exilio— reaparecen aquí con fuerza, como en la multitud de pequeñas figuras de arcilla alineadas sobre una mesa de seis metros en el centro de la sala: se trata de ‘People’s Desire’ de Sawangwongse Yawnghwe, una denuncia al genocidio, comenzando por el del pueblo rohinyá en 2014.
Con ‘Garden of the Broken Hearted’, el artista radicado en Roma, Theo Eshetu instala un gran olivo sobre una estructura giratoria, una especie de carrusel elegíaco que se convierte en una reflexión poética sobre la impermanencia. El chamanismo, más allá del folclore, encuentra un nuevo horizonte en ‘Whisper of Traces’ de Kader Attia, un ambiente atravesado por cuerdas cubiertas de espejos rotos que cuelgan del techo, mientras un video proyectado en las paredes reproduce las palabras de un chamán vietnamita, según quien los virus que atacan los sistemas informáticos son formas espirituales capaces de controlar el progreso tecnológico. Prácticas ancestrales y visiones del futuro se fusionan en un mismo plano.
Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com
