Dos voces, diez años de distancia, una misma canción y un espacio sumido en la oscuridad. De esta composición esencial nace 66–76–26, la nueva instalación de Steve McQueen, encargada por el Guggenheim Museum Bilbao y que podrá visitarse del 9 de octubre de 2026 al 21 de febrero de 2027. Comisariada por Lekha Hileman, la exposición continúa la investigación del artista británico, cada vez más orientada hacia el sonido, la percepción y la experiencia corporal, alejándose parcialmente del lenguaje cinematográfico que lo hizo célebre también entre el gran público. Obras como Bass (2024), Untitled (2025) y Atlas (2026) han ido sustituyendo progresivamente la narración cinematográfica por experiencias construidas a través de la luz, el sonido y la percepción.
La obra reúne dos interpretaciones ya inscritas en la historia de la música: la grabada por Nina Simone en 1966 y la célebre versión realizada por David Bowie en 1976 de la canción Wild Is the Wind, compuesta por Dimitri Tiomkin y Ned Washington. Ambas grabaciones son despojadas del acompañamiento instrumental y se presentan exclusivamente en su dimensión vocal.
En una galería completamente oscura, las dos voces proceden de lados opuestos del espacio. Al desplazarse por el ambiente, el visitante construye su propia experiencia de escucha, atravesando un diálogo que no busca comparar las dos interpretaciones ni fusionarlas, sino permitir que resuenen entre sí a través de la arquitectura del museo.
Para Steve McQueen, Wild Is the Wind es un punto de referencia desde hace más de treinta años. El artista cuenta que descubrió primero la versión de Bowie, a mediados de los años noventa, y que posteriormente llegó a la de Nina Simone. Desde entonces ha vuelto repetidamente a la canción, atraído por su ambigüedad emocional y por su capacidad para adquirir significados diferentes con el paso del tiempo.
El título de la exposición sintetiza esta estratificación temporal: 66–76–26 hace referencia a los años de las dos grabaciones y al de la exposición, poniendo en diálogo tres épocas diferentes. Al reunir dos interpretaciones separadas por una década y presentarlas 60 y 50 años después, McQueen comprime el tiempo histórico e invita también a reflexionar sobre el contexto en el que surgieron aquellas versiones: los años de las luchas por los derechos civiles en Estados Unidos, la guerra de Vietnam y el escándalo Watergate.
En 66–76–26, el silencio adquiere también un papel central. McQueen hace referencia explícita a la lección de Miles Davis —y también de John Cage— según la cual el significado surge tanto de las notas como de los intervalos que las separan. Respiraciones, pausas, esperas y suspensiones se convierten así en partes fundamentales de la composición, haciendo que el visitante sea consciente de su propia presencia física en el espacio.
El artista describe esta reducción a lo esencial no como un ejercicio de minimalismo, sino como un intento de eliminar todo elemento superfluo para comprobar qué es lo que realmente permanece. «El amor es lo único por lo que vale la pena vivir y morir», observa McQueen, señalando el deseo y la vulnerabilidad como el núcleo emocional compartido por las interpretaciones de Simone y Bowie.
La exposición estará acompañada por un catálogo ilustrado diseñado por la diseñadora neerlandesa Irma Boom, concebido como una extensión de la instalación. La publicación reunirá materiales de archivo dedicados a ambos músicos, una conversación entre McQueen y la comisaria Lekha Hileman, y un ensayo inédito de la historiadora del arte Cora Gilroy-Ware, dedicado a las herencias culturales y artísticas de Nina Simone y David Bowie.
Paralelamente, el Guggenheim Bilbao organizará un ciclo dedicado a la producción cinematográfica de McQueen, ofreciendo al público la oportunidad de volver a ver algunas de sus obras más conocidas, desde Hunger y Shame hasta 12 Years a Slave y las películas de la serie Small Axe.
Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com
