exibart.ar

Mudarse a China cinco años después de la pandemia tiene la ventaja de reencontrarse en el centro de dinámicas complejas, de observar una escena cultural que, tras un largo período de estancamiento, intenta ahora volver a ponerse en marcha y, a veces, lo consigue. Un paso atrás para dar uno adelante: esta es, quizás, la sensación que se percibe hoy en China, en un clima cultural dividido entre el impulso hacia la innovación tecnológica y la valorización de una identidad fuertemente asiática.

Si Shanghái sigue siendo el hub internacional elegido por los nuevos museos, también es la ciudad que más sufre la actual fase post-boom, precisamente debido a sus enormes museos privados que deben sostener costos operativos igualmente enormes. ¿Qué está pasando, en cambio, en Pekín? ¿Sigue siendo el motor creativo de China? ¿Es todavía allí donde se encuentran los estudios de los artistas más interesantes?

Se lo preguntamos a Aria Yang, Program Director de Gallery Weekend Beijing, con motivo de los diez años de la primera edición.

La era de la expansión museística impulsada por el mercado inmobiliario en China se ha enfriado, y muchos hablan ya de una “fase post-boom”. ¿Cómo se están adaptando las instituciones a este nuevo clima?

«Esta transición desde la rápida expansión hacia una sostenibilidad cualitativa representa una evolución profundamente positiva. El mundo del arte se está alejando de los espectáculos efímeros para orientarse hacia un cultivo cultural profundo y duradero. La auténtica relevancia institucional se construye sobre una infraestructura intelectual sólida, un compromiso riguroso con el público y un arraigo en el propio terreno cultural».

¿De qué manera Gallery Weekend Beijing puede ayudar a sus socios a pasar de un crecimiento basado en el espectáculo hacia una sostenibilidad a largo plazo?

«GWBJ siempre ha apoyado este desarrollo orgánico. Cultivando un ecosistema resiliente basado en la confianza mutua entre galerías, artistas e instituciones, ofrecemos a nuestros socios una plataforma estable para concentrarse en la profundidad académica y en un crecimiento comunitario sostenido. Esta fase reflexiva es el catalizador ideal para una ecología del arte más sana y duradera».

Muchas instituciones culturales chinas se encuentran sosteniendo los pesados costos operativos de edificios monumentales. Más allá de la arquitectura física, ¿qué tipo de infraestructura curatorial y académica necesita el ecosistema en este momento para seguir siendo relevante?

«Los edificios físicos son simples contenedores: su vitalidad duradera depende de una infraestructura “soft”, especialmente de la investigación curatorial arraigada en el territorio, los archivos y el diálogo académico.

Existe una urgencia real de documentar, estudiar e interpretar la historia del arte contemporáneo chino desde dentro. Nuestras instituciones deben concentrarse en la producción de conocimiento localizado y en la construcción de una continuidad histórica. El público actual, y en particular las generaciones más jóvenes, busca profundidad intelectual y resonancia cultural, no mera monumentalidad. Reforzar las bases curatoriales y académicas es esencial para responder a esta necesidad».

En el último decenio, una parte importante de los reflectores comerciales e institucionales se desplazó hacia Shanghái. ¿Cómo puede describirse hoy el papel de Pekín: sigue siendo el motor creativo y de los estudios de artista del arte chino, o esa identidad se ha transformado?

«Pekín sigue siendo el corazón intelectual y creativo del arte contemporáneo chino. Su posición está sostenida por una densidad inigualable de estudios de artistas, redes académicas, históricos distritos artísticos e instituciones pioneras.

La célebre energía independiente y experimental de la ciudad ha madurado en un ecosistema sofisticado y multiestratificado. El elemento crucial es que Pekín cultiva una cultura de lectura profunda y de discurso crítico. Los coleccionistas de la ciudad son notoriamente orientados a la investigación y privilegian el valor histórico y la trayectoria artística por encima de las tendencias de mercado de corto plazo. Es este rigor lo que define a GWBJ y convierte a Pekín en el lugar donde se determina el valor cultural».

Con el décimo aniversario de GWBJ, el paradigma parece haber cambiado de “China persiguiendo a Occidente” a “China definiendo su propia historia interna”. Con el Visiting Sector, que valoriza hubs regionales como Taipéi y Hong Kong, ¿la propia definición de plataforma “internacional” se está orientando hacia un diálogo más estrecho dentro de Asia?

«De hecho, el concepto de “internacional” está evolucionando desde un modelo occidentalocéntrico hacia un diálogo multipolar. Para GWBJ, cualquier compromiso global significativo debe estar arraigado en nuestra subjetividad cultural. El verdadero internacionalismo no consiste en importar tendencias externas, sino en crear un diálogo activo en el que perspectivas globales e historias locales se enriquezcan mutuamente.

El regreso de nuestro Visiting Sector reafirma estas raíces culturales compartidas. Presentando galerías provenientes de hubs regionales del más amplio mundo sinófono y asiático, favorecemos diálogos entre pares basados en historias y sensibilidades estéticas comunes. Reforzar estos vínculos regionales no significa darle la espalda a la escena global; al contrario, nos permite contribuir al discurso internacional desde una posición de plena confianza cultural».

El sector “Up & Coming” se concentra en los jóvenes creativos. Durante los años del boom, los artistas emergentes eran frecuentemente lanzados y luego olvidados demasiado rápido por compradores especulativos. En una economía más lenta como la actual, ¿cuál es la responsabilidad de GWBJ para proteger estos talentos de la volatilidad del mercado garantizándoles al mismo tiempo visibilidad?

«Nuestra responsabilidad en GWBJ es ofrecer un marco académico y curatorial que proteja la integridad cultural de las prácticas emergentes. La muestra de este año, Ten Sentences of Neo-Shamanism, curada por Yang Zi, es un ejemplo emblemático. En lugar de tratar el “arte emergente” como una categoría comercial, la exposición explora la manera en que los artistas más jóvenes se relacionan con mitologías localizadas y memorias culturales. Nuestro objetivo es ayudar a los jóvenes talentos a construir prácticas sostenibles arraigadas en la sustancia».

Este año llevan el arte a las pantallas urbanas y a los espacios públicos de la ciudad. En una época en la que las galerías tradicionales resultan a veces intimidantes para el gran público, ¿se trata de un intento de democratizar la experiencia del arte contemporáneo o más bien de encontrar un nuevo lenguaje visual para la ciudad?

«Se trata de ambas cosas: ampliar la accesibilidad cultural y enriquecer el paisaje cívico de Pekín. Integrando el arte contemporáneo en los espacios públicos y en las pantallas urbanas, derribamos las barreras de la galería tradicional y hacemos que el arte forme parte orgánica de la vida cotidiana.

Al mismo tiempo, esta iniciativa explora la identidad urbana particular de Pekín. Introducir obras site-specific en una ciudad de tal profundidad histórica y vitalidad contemporánea genera un diálogo dinámico entre patrimonio, expresión contemporánea y vida cotidiana, modelando un lenguaje visual a la vez proyectado hacia el futuro y profundamente arraigado en lo local».

Se habla mucho actualmente de una orientación hacia el “largo plazo”, con coleccionistas que privilegian la investigación profunda por encima de las tendencias de mercado. ¿Estamos asistiendo a la desaparición definitiva del “coleccionista-inversor” especulativo en Pekín?

«Estamos asistiendo a una profunda maduración de nuestra comunidad de coleccionistas, cada vez más orientada hacia la tutela cultural y el mecenazgo local. Los coleccionistas están cada vez más guiados por la investigación y enfocados en el valor histórico a largo plazo».

¿Y quién lo está reemplazando?

«Estamos particularmente entusiasmados con una nueva generación de mecenas profundamente comprometidos con el apoyo al ecosistema local. No se limitan a adquirir obras: apoyan archivos, fundan espacios no-profit y financian proyectos ambiciosos. Un ejemplo significativo de este año es la Special Exhibition del Main Sector, Nirvana, dedicada al artista Ouyang Chun y proyectada por el coleccionista Tian Jun. Esta colaboración ilustra cómo los coleccionistas están contribuyendo activamente con energía creativa e intelectual a nuestra comunidad».

Si la primera década de Gallery Weekend Beijing estuvo dedicada a construir la plataforma y hacerla crecer, ¿cuál es el manifiesto central para la segunda década?

«Si nuestra primera década estuvo dedicada a construir la plataforma, la segunda estará consagrada a profundizar nuestras raíces culturales, afirmar nuestra subjetividad local y promover el diálogo regional. Nuestro manifiesto central es generar un discurso sobre el arte contemporáneo a partir de nuestro contexto histórico y cultural. Queremos superar la obsoleta contraposición entre “local” y “global”, demostrando que un compromiso profundo con el propio patrimonio y las propias realidades regionales produce un arte de auténtica relevancia global».

¿Cuál es el mensaje principal que quieren transmitir al mundo del arte global respecto de la dirección del arte chino hacia 2030?

«Para 2030 queremos que el mundo del arte internacional reconozca una escena del arte contemporáneo chino definida por la autonomía intelectual y la profundidad académica. El futuro de nuestro ecosistema reside en la construcción silenciosa y constante de una infraestructura cultural sostenible y en la confianza en sus propias narrativas».