Kioto, laboratorio de fotografía: las exposiciones más interesantes que vimos en KG＋
Ph. Francesca Magnani
Después de sumergirnos en Kyotographie, hoy destacamos diez exposiciones y otros tantos espacios vistos en KG＋ de Kioto, festival de arte público nacido en 2013 con el objetivo de descubrir y apoyar a fotógrafos y curadores emergentes. El año 2026 marca el decimotercer aniversario de esta iniciativa, que continúa promoviendo a escala global las prácticas más innovadoras de la fotografía contemporánea, poniendo especialmente en valor los talentos reunidos en la ciudad japonesa. En colaboración con KYOTOGRAPHIE, KG＋ ofrece a los fotógrafos y curadores participantes valiosas oportunidades de intercambio y colaboración con curadores y galeristas de renombre internacional, procedentes de Japón y de todo el mundo. Este diálogo favorece el desarrollo de nuevas perspectivas y conexiones dentro del panorama artístico global.
Los artistas y los espacios expositivos son más de 100 en toda la ciudad. Por eso, una decena de exposiciones se reúnen en una única sede: KG＋ SELECT. Esta representa una plataforma expositiva adicional dentro del festival: diez artistas son seleccionados entre los participantes por un jurado internacional para presentar sus trabajos. Entre ellos se concede el KG＋SELECT Award 2026, cuyo ganador recibe la invitación para exponer dentro del programa oficial de KYOTOGRAPHIE en la edición siguiente, prevista para 2027.
Vimos numerosas exposiciones y aquí señalamos diez que nos impresionaron especialmente.
Piotr Zbierski y Hiroyoshi Taira
En el edificio de KG+ Select, en el Kurochiku Makura Building, nos impactaron dos exposiciones (y tuvimos la oportunidad de conocer a ambos artistas). En primer lugar, la del polaco Piotr Zbierski, Solid Maze, una meditación fotográfica sobre la memoria, el tiempo y la emoción, donde el tiempo aparece como un lugar: una casa en constante renovación y expansión. El tiempo del que habla está fragmentado, se extiende simultáneamente en múltiples direcciones; posee dimensiones diversas e intervalos diferentes. La línea negra que atraviesa la sala se convierte así en el hilo de Ariadna: marca el ritmo, la respiración y el latido de la obra, relacionando lo visible con lo invisible.
Ph. Francesca Magnani
También en el contexto de KG+ Select destaca la serie de Hiroyoshi Taira, realizada en un blanco y negro de fuerte contraste y dedicada a la danza tradicional Awa Odori, en la que la palabra zomeki indica tanto el murmullo febril que invade las calles antes del festival como la embriaguez colectiva de los bailarines. Explica el fotógrafo:
«En enero de 2024 me enteré de que se celebraría el funeral de Yukihiro Iwanami, jefe de la Tokyo Tensusui-ren de Koenji. La Tokyo Tensusui-ren es uno de mis grupos de danza favoritos y deseaba participar para expresar mi gratitud por los largos años de dedicación de Iwanami al Koenji Awa Odori. Al mismo tiempo, sentía la urgencia de documentar el Awa Odori como fenómeno íntimamente ligado a la vida y a la muerte, obteniendo así el permiso para fotografiar la ceremonia funeraria. Esta serie nació de esa experiencia»
Ph. Francesca Magnani
Naoko Tamura y Anthony Plasse
En Monade Contemporary vimos Tracing the Obscurity. A través de los enfoques experimentales de la imagen fotográfica desarrollados por Naoko Tamura y Anthony Plasse, esta exposición investiga las relaciones entre cuerpo y espacio, cuestionando al mismo tiempo la naturaleza misma de la existencia.
Naoko Tamura establece a lo largo del tiempo un diálogo profundo con personas, entornos domésticos, comunidades y paisajes, reconfigurando mediante fotografía e instalación la percepción corporal y el espacio arquitectónico, en un intento de devolver una intuición sensible del ser.
Anthony Plasse, por su parte, reflexiona sobre las huellas dejadas por los signos y la luz, así como sobre las condiciones temporales y espaciales de un lugar y su percepción. Mediante el procedimiento de gelatina de plata, utilizado como una práctica cercana al dibujo, el artista genera un espacio visual de naturaleza casi pictórica. Cuando la imagen fotográfica se imprime sobre un soporte como forma de presencia, ¿cómo puede manifestarse una existencia aún invisible, capaz de oponerse a la representación del aquí y ahora? La exposición invita al público a adentrarse en las huellas de la oscuridad: presencias apenas perceptibles que emergen desde la penumbra del ser.
Ph. Francesca Magnani
Momo Nakagawa, Clonal Images
En Hosoo Gallery se presenta Clonal Images de Momo Nakagawa. Nacida en Japón en 1992, vive y trabaja en Kioto. Nominada al Dior Photography Award, su práctica artística se sitúa en la intersección entre fotografía, escultura e instalación. Nakagawa concibe la imagen no como una representación fija, sino como un organismo vivo, en perpetuo movimiento, asimilable a la materia orgánica. El concepto de pantropía, tomado de la literatura de ciencia ficción y referido a la capacidad de un organismo humano de mutar para sobrevivir en ambientes hostiles, atraviesa toda su investigación como un hilo conductor.
En Hosoo Gallery, la artista traduce esta idea al espacio: una gran obra de collage se despliega a lo largo de las paredes de la galería, acompañada por elementos suspendidos inspirados en formas vegetales, similares a membranas vivientes flotando en el aire. La instalación invita al visitante a sumergirse en un espacio donde la percepción se desestabiliza, en un equilibrio precario entre lo orgánico y lo inanimado, lo vegetal y lo artificial.
Ph. Francesca Magnani
Ayaka Yamamoto, We are Made of Grass, Soil, and Trees
En Purple vimos a Ayaka Yamamoto y su exposición We are Made of Grass, Soil, and Trees. Yamamoto es una fotógrafa que investiga las capas invisibles inscritas en el cuerpo humano —memoria, estados latentes y condiciones que preceden a la articulación del lenguaje— y la manera en que estas emergen en forma de imagen. Trabajando en lugares donde las huellas de la historia y la memoria siguen profundamente presentes —entre ellos Estonia, Rusia, Malawi, Georgia y Okinawa—, desarrolla su investigación a través de los encuentros con las personas que conoce durante sus estancias.
Esta muestra presenta una serie de retratos realizados entre 2012 y 2023 durante largas permanencias en contextos cultural y lingüísticamente ajenos. Atenta a las imperceptibles variaciones del cuerpo generadas por la luz, la distancia y el silencio, su práctica se despliega en el tiempo, revelando momentos de relación fluida entre fotógrafa y sujeto.
Antes de fotografiar, Yamamoto formula preguntas no para recopilar información, sino para entrar en contacto con aquello en lo que una persona cree y con aquello que define su existencia. Las respuestas no necesariamente se manifiestan a través de las palabras, sino que emergen lentamente dentro de la propia imagen. La ropa se obtiene localmente y tanto los sujetos como los lugares se determinan a través de encuentros surgidos in situ. Más que en la comunicación verbal, las relaciones se construyen a través del tono de voz, los gestos y el tiempo compartido. Desligadas de sus roles cotidianos, las figuras retratadas no quedan fijadas en identidades precisas, sino que aparecen como presencias abiertas y cambiantes.
Ph. Francesca Magnani
Todas las obras están realizadas en película fotográfica y copiadas manualmente en cuarto oscuro. La ligera inestabilidad inherente a este proceso impide que la imagen se cristalice definitivamente. En los trabajos más recientes, Yamamoto también ha dirigido su atención a los paisajes y atmósferas que rodean los retratos, considerando el cuerpo humano como un espacio capaz de resonar con la memoria acumulada de los lugares.
El título We are Made of Grass, Soil, and Trees se inspira en la mitología ainu. A través de la experiencia vivida en territorios donde la distancia entre el ser humano y la naturaleza sigue siendo tenue, Yamamoto explora sensibilidades prelingüísticas y formas primordiales de percepción arraigadas en el cuerpo. La exposición invita al público a reflexionar sobre las posibilidades de la fotografía en ese umbral donde cuerpo y territorio se encuentran.
En Now and Then, un pequeño bar situado en el cuarto piso del mismo edificio, se presenta Light and Presence de Kino Koike, junto a las enormes flores de Lisa Kimura.
Ph. Francesca Magnani
Jérôme Pace, Il sole non conosce l’ombra
La exposición nos llamó inicialmente la atención porque su título está en italiano: Il sole non conosce l’ombra(El sol no conoce la sombra). La muestra de Jérôme Pace, en Tsubomido Gallery, se desarrolla como una reflexión visual sobre el dualismo entre luz y oscuridad, presencia y ausencia. A través de una secuencia de imágenes suspendidas entre intimidad y distancia, Pace construye un lenguaje fotográfico que explora las tensiones sutiles de la experiencia cotidiana, transformando fragmentos ordinarios en visiones cargadas de ambigüedad y poesía. El recorrido expositivo invita al espectador a moverse entre delicados contrastes y atmósferas etéreas, donde la luz no solo ilumina, sino que revela y oculta al mismo tiempo.
Ph. Francesca Magnani
The Éphémère Photobook Exhibition
En Ogawa Coffee, la curadora Anne Murayama reunió una extraordinaria selección de libros autoeditados en la exposición The Éphémère Photobook Exhibition, transformando la galería en un espacio expositivo interactivo y temporal. The Éphémère Photobook Exhibition crea un puente entre una cafetería, la cultura editorial y la comunidad local, invitando a los visitantes a sumergirse en un universo tejido a través de la fotografía.
Se anima al público a tomar los libros de las instalaciones murales y llevarlos a las mesas destinadas para ello, tomándose el tiempo necesario para hojear lentamente sus páginas mientras disfruta de un café: una experiencia denominada Slow Looking, en la que observación, lectura y contemplación se funden en un único gesto.
Ph. Francesca Magnani
Durante los fines de semana y los días festivos, la exposición acogió breves programas con artistas e invitados especiales, transformando el espacio en un lugar de encuentro y descubrimiento, donde la fotografía se convierte en una ocasión para el diálogo, el intercambio y nuevas perspectivas. Nosotros asistimos durante el taller de zines de la joven curadora Tiffany Jiazhen Woo.
Ph. Francesca Magnani
Katherine Longly, Cat Island Blues
La fotógrafa Katherine Longly, con su proyecto Cat Island Blues, nos lleva a Aoshima, una diminuta isla japonesa de apenas un kilómetro de longitud. En su época de máximo esplendor, en los años cuarenta, la isla contaba con casi novecientos habitantes, la mayoría de los cuales vivía de la pesca. Posteriormente, la población disminuyó rápidamente. En 2013, casi contra su voluntad, Aoshima se convirtió en un famoso destino turístico para visitantes de todo Japón —e incluso del extranjero— gracias a la numerosa colonia de gatos que la habitaba. Hoy en la isla permanecen únicamente tres ancianos residentes y unos 40 felinos.
Longly relata su experiencia en la isla: desde el asombro inicial ante la diferencia entre las imágenes difundidas por los turistas —que inicialmente la habían atraído— y la realidad del lugar, hasta el profundo vínculo desarrollado con Aoshima a lo largo de innumerables visitas. Surge así una historia frágil y singular, un relato que entra en resonancia con las profundas transformaciones demográficas que atraviesan el Japón contemporáneo, pero que también plantea interrogantes más amplios sobre el impacto del overtourism, las decisiones relacionadas con el final de la vida y las formas en que los seres humanos conviven con otras especies.
Ph. Francesca Magnani
Yasuaki Okamoto, Walk on the Surface of the Earth
La última exposición que vimos, en el espacio de Kika Books, nos gustó especialmente porque se alinea con un aspecto fundamental de nuestra propia práctica fotográfica. En Walk on the Surface of the Earth, Yasuaki Okamoto reflexiona sobre la experiencia física del caminar como forma de resistencia frente a una realidad cada vez más mediada por la tecnología. El artista parte de acciones simples y concretas —caminar sobre hojas secas, remontar un río, avanzar contra el viento— para recuperar una relación directa entre cuerpo, percepción y entorno.
Su investigación retoma cuestiones que ya había abordado en los años noventa, cuando analizó la condición del cuerpo en una sociedad dominada por la información y por las estructuras perceptivas generadas por la informatización. Más de tres décadas después, en una época marcada por el desarrollo acelerado de las tecnologías digitales, la inteligencia artificial, las redes sociales y la realidad virtual, Okamoto se pregunta cómo estas transformaciones están modificando nuestra experiencia corporal y nuestra relación con el mundo.
La exposición nace precisamente de esta reflexión. A través de fotografías realizadas durante viajes a distintos lugares, imágenes de video de una remontada por un río hasta su nacimiento y una instalación compuesta por textos y objetos creados en el pasado, el artista explora aquello que puede emerger cuando se recupera el gesto elemental de caminar y observar. El resultado es una investigación sobre el cuerpo contemporáneo y sobre las posibilidades de reconstruir una experiencia sensible y directa de la realidad.
Ph. Francesca Magnani
Este artículo fue publicado originalmente en exibart.com