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Presentada inicialmente durante la art week de Ciudad de México y posteriormente activada en el estudio de Anuar Maauad, en la colonia San Rafael, La alegría de vivir reúne el trabajo de 36 artistas bajo una pregunta incómoda: ¿qué significa hablar de alegría en un contexto donde la violencia dejó de ser excepcional para convertirse en una condición permanente?

Curada por Anuar Maauad y Roger Muñoz, la exposición toma como eje la noción de necropolítica, entendida no solo como un régimen de muerte, sino como una estructura que administra formas de descarte, exposición y deshumanización dentro de los sistemas contemporáneos de poder. La muestra trabaja sobre sus efectos perceptivos y afectivos: el agotamiento visual, la normalización del horror y la anestesia emocional producida por la repetición constante de imágenes de daño.

El recorrido comienza en un patio interior bañado por el sol, atravesado por vegetación y mobiliario doméstico, donde se instala Guillotina (2015) de Jorge de León: una reconstrucción funcional de la pieza que el artista presentó frente al Palacio Nacional de Guatemala tras la crisis política de 2015. La obra funciona como centro simbólico de la exposición y establece inmediatamente una atmósfera de amenaza latente y violencia institucionalizada.

La idea del umbral atraviesa buena parte del proyecto curatorial. Los curadores la describen como un límite inestable entre lo humano y lo descartable, entre lo erótico y lo mutilado, entre lo infantil y lo siniestro, entre documento histórico y ficción ideológica. Esa lógica de tránsito e indefinición se traduce en una exposición donde las obras rara vez se estabilizan en una sola lectura.

El conjunto produce una narrativa heterogénea rigurosamente articulada. Hay piezas que operan desde el archivo y otras desde estrategias escultóricas de acumulación, residuo o fragmentación corporal. Algunas recurren al humor negro, mientras otras construyen atmósferas de extrañeza más silenciosa. La muestra permite la coexistencia de contradicciones, excesos y desplazamientos sin intentar resolverlos.

Entre las piezas más contundentes aparece Ritual City (2025) de Benjamin Orlow, una masa escultórica deforme y pesada que recuerda un torso colapsado sobre sí mismo. Cerca de ella, una marquesina oxidada de Anuar Maauad, incompleta, parcialmente apagada, sostiene la frase “THE MOST SACRED DUTIES ENTRUSTED TO HUMANKIND”, funcionando como declaración ambigua entre ruina ideológica y propaganda fallida. El conjunto dialoga con David IV (2005) de Miguel Ángel Rojas, retrato fotográfico de un campesino colombiano víctima de minas antipersonales, cuya composición clásica y dignidad visual contrastan brutalmente con la violencia inscrita en el cuerpo representado.

La exposición despliega también una constelación de referencias históricas y culturales atravesadas por distintas formas de violencia política y representación del horror. Aparecen obras y materiales asociados a Francisco de Goya, Tsukioka Yoshitoshi, Pier Paolo Pasolini, Paul McCarthy o incluso John Wayne Gacy, desplazando constantemente la lectura entre crítica política, cultura visual y grotesco contemporáneo.

Varias de las obras trabajan directamente sobre el cuerpo como superficie vulnerable. En Bienes muebles o bienes mostrencos: La jerarquización de la vida (2017), Berenice Olmedo utiliza pieles de perros atropellados para construir prendas suspendidas en el espacio, condensando de forma brutal cuestiones de abandono, valor y jerarquización de la vida. En otra sala, una versión abreviada de Cantos cívicos/NILC (2008) de Miguel Ventura cubre el espacio con retratos de oficiales nazis contenidos en marcos plásticos sobredimensionados y casi infantiles, reduciendo la grandilocuencia fascista a una imagen ridícula y degradada.

El recorrido culmina con obras particularmente incisivas: Shit Face (2002) de Paul McCarthy, un busto grotesco y deforme de silicona; fragmentos de Saló o los 120 días de Sodoma (1975) de Pier Paolo Pasolini; y Catafalco (1997) de Teresa Margolles, molde realizado a partir de un cadáver proveniente de la morgue mexicana. En todos los casos, el cuerpo aparece atravesado simultáneamente por deseo, desgaste, violencia y administración institucional de la muerte.

A pesar de la dureza del conjunto, el humor negro, la ironía y ciertos gestos absurdos atraviesan constantemente el recorrido. Esa tensión resulta central para entender el título: la “alegría” aparece aquí menos como celebración que como mecanismo de resistencia afectiva, una forma incómoda de supervivencia emocional frente a estructuras sociales marcadas por la precarización y la violencia normalizada.

La alegría de vivir construye una atmósfera donde el humor, el agotamiento y el extrañamiento conviven como síntomas de una sensibilidad contemporánea marcada por la imposibilidad de permanecer intactos.

Fecha: febrero a junio de 2026